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  • 秦腔《民乐情》唱响“第十二届中国艺术节”
    由甘肃省张掖市七一剧团演艺有限责任公司创排出品的大型秦腔现代戏《民乐情》,作为第十六届“文华奖”参评剧目参加“第十二届中国艺术节”,并于5月29日、30日晚在上海大宁剧院进行演出。 大型秦腔现代戏《民乐情》是根据被誉为“当代大禹”、全国“扶贫状元”、甘肃省已故政协副主席韩正卿于上世纪七十年代就任张掖地区民乐县县委书记期间的先进事迹创作而成。 韩正卿,上世纪60年代在甘肃省陇南东江公社投身水利建设闻名全省。1970年代中后期,任甘肃省张掖地区民乐县委书记,制定“十库百塘千里渠”的规划。8年间修建了中小型水库6座及其配套工程,灌溉40万亩土地,后指挥省“引大入秦”大型水利建设,历经十数年,终将大通河水引入甘肃省兰州秦王川,沿线群众及数万亩良田免于缺水干旱之苦,造福一方,功在千秋。 该剧主要以韩正卿生前四个重要的人生场景展开叙事。编剧曹锐用平实质朴的语言,塑造了一位有情有义、有血有肉、有筋骨、有温度的县委书记形象。 导演韩剑英将戏曲程式与现代审美意识巧妙融合,以怀旧老照片的形式,拓展出一组组生动鲜活的人物形象和时代画面,舞台风格独特质朴,厚重大气,具有雕塑感、沧桑感和年代感。 该剧自2016年搬上舞台以来,多次修排,先后获得多次省级大奖。并在北京、上海、浙江金华、陕西西安,甘肃各地等演出100余场。 该剧主创团队将现实题材和秦腔艺术有效融合。剧名《民乐情》具有双重含义,既是该县的县名,又寓意着人民安居乐业。 剧中音乐既是秦腔的板腔,又吸收了西北民歌和河西地方小曲元素,还融入了现代音乐的表现方式,大气流畅,扣人心弦,地域特色鲜明。舞美以怀旧老照片的素描影调表现西北祁连山脉的地域特色,运用水库“基石”结构元素,构筑戏曲舞台表演空间。舞台劳动场面与生活场景的自由转换,结合具有油画感的服装材质表现,烘托西北农民通过劳动建设美好家园的愿景图像。 饰演韩正卿的曹红星以朴实接地气的舞台表演、字正腔圆的秦腔本味,不仅让人物鲜活、丰满,也体现了对传统戏曲的继承与创新,他也因此获得第29届白玉兰奖主角奖。 该剧是继1996年大型历史秦剧《西域情》获第六届“文华奖”后,时隔23年,七一剧团代表甘肃再次角逐国家舞台艺术政府最高奖。也是张掖市七一剧团演艺有限责任公司自2012年转企改制以来,首次代表甘肃参加“文华奖”评选。 《民乐情》剧照 据悉,剧团前身为张掖市七一秦腔剧团,原系中国人民解放军一野三军文工团二队,曾荣获“文华奖”、“五个一工程奖”等奖项。作为西北地区的一个基层院团,也是甘肃河西走廊目前唯一的一个专业戏曲院团,从《思补情》、《西域情》、《黄土情》到今天的《民乐情》,剧团始终专注于对秦腔文化的传承与弘扬。
    2019年05月30日 13:51
  • 苏剧现代戏《国鼎魂》情系家国
    上世纪50年代初,新中国成立不久,中国文物界发生了一件大事:旷世宝鼎大盂鼎和大克鼎,由苏州一弱女子捐献给了上海博物馆。自此,这两件为多方觊觎、历经颠沛的国之重器,成为国家博物馆和上海博物馆的镇馆之宝。这是真实的历史事件,事件的主人公、宝鼎的守护者叫潘达于。 苏州市苏剧传习保护中心将此演绎成戏剧故事,便有了苏剧《国鼎魂》的精彩演出。戏,从主人公(其时为丁素珍)嫁入苏州名门潘家开始。年方18的她因爱而嫁,浑然不觉地踏上了一条守护国宝的路途。新婚之时,面对军阀勒索宝鼎的淫威,懵懂的她在慌乱中恳请公公速用宝鼎“换回”自己的新婚丈夫。这样的人物,貌似起点不高,却令人信服,由此筑起了观众理解人物、走进人物心灵的重要起点。经历了种种的威逼,目睹了公公潘祖念和夫君潘家裕保护宝鼎的誓死与坚毅,丁素珍才渐渐地融入潘氏一族守护宝鼎的共同意志……从震颤中醒来的丁素珍,在鬼门关前走过一遭的丁素珍,其人生和命运,乃至性格都发生了真正的转变。戏,到了第三场。幽闭的藏宝密室,一个痛失爱子的垂垂老者,面对痛失夫君的新婚儿媳,在生行与旦角沉郁悲愤的唱腔中,演绎了一场决定人物走向的悲情大戏:遵老公公之嘱,由潘家媳妇转为潘家女儿,易名潘达于。一个如花般年纪的女人,用纤细的双手接过父亲潘祖念“久盼政清吏明,难逢盛世”的悲伤,义无反顾地遵循了“宝鼎只配献明堂”的郑重嘱托。 难能可贵的是,《国鼎魂》无论是编导还是主要演员们,没有止步于故事的浅层表达,而是深入到潘达于内心深处的自我纠结、困扰和唤醒等一系列心理活动,并将其外化为舞台形象。演出伊始,序幕便是暮年的潘达于与自身年轻“幻影”的对话。观众因此感受到潘达于作为平凡女子,不可避免会遭遇的人生和价值的自我叩问。有时,“幻影”则担负起“说书人”的功能,让超负荷的舞台叙事顿时流畅起来。 演员的表演支撑起创作者寄予《国鼎魂》的审美追求。印象深刻的是,潘达于痛失爱子大毛后的那场“独角戏”。大毛倒在血泊中,潘达于顿失此前的沉稳,疯也似地扑向大毛……如此跌宕的情绪转换,在潘达于的扮演者王芳的驾驭下,张弛之间,将人物带入了神情恍惚游移的境地。唱念相夹的表演,潘达于走向了心境的冰点。她万念俱灰,终于发出“我守不动,守不住,我再也不想守了”的叹息。她“问天问地问神灵”,无奈“神灵也无声无息,我泪长抛……”这种人在绝境中的寂冷无助和瞬间软弱,不仅无损潘达于的形象,反而让观众与之共鸣,为之动容。其间,王芳对声腔的掌控,令人叹服。音域无论高低,她上下自如,即便游走在高音区,声线依然圆润饱满,且极富现代表现力。 综观《国鼎魂》的演出,作品以贯通历史的态度,映射了新中国的诞生开启了中国社会长治久安的新纪元,实现了潘氏一族几代人“宝鼎献明堂”的愿望。作品更凭借潘达于守护宝鼎的传奇经历,塑造了一个在逆境中坚守民族魂的典型形象。作为戏剧作品,我们欣赏《国鼎魂》的创作演出倾心于对潘达于的家国情怀做如此深情的诗意化表现;我们也钦佩苏州市苏剧传习保护中心将古韵绵绵的苏剧艺术带入现代剧场艺术的广阔天地,将古典审美与现代审美熔于一炉的追求。
    2019年05月25日 13:26
  • 两岸昆剧团携手举办昆曲申遗纪念活动
    16日晚,由两岸昆剧团携手举办的“雅韵昆台共知音——2019年海峡两岸(昆山)昆曲交流演出暨5·18昆曲申遗纪念活动”在江苏昆山当代昆剧院举行,昆曲名家汇聚昆曲发源地,以曲对话,共谋昆曲传承。 当晚,着名昆曲表演艺术家蔡正仁、昆曲学者洪惟助、苏州昆剧院院长蔡少华等海峡两岸昆曲人聚首,娓娓道来一代代昆曲人对昆曲这一脉传统文化不遗余力的传承,令观众为之动容。 随后的演出,蔡正仁、赵坚等老一辈艺术家,温宇航、钱振荣、郭胜芳、刘稀荣等中生代名家,以及青年一代昆曲新秀同台演绎,《白罗衫·诘父》《玉簪记·偷诗》《燕子笺·狗洞》《荆钗记·雕窗投江》《九莲灯·火判》等文武好戏雅韵绕梁,呈现了海峡两岸昆曲文化的有力传承和发展活力。 昆曲交流可以说是两岸交流的典范,两岸的昆曲学者艺人互相扶持、互补有无,让昆曲从一个寂寞的剧种,变得为大众所重视。 “雅韵昆台共知音——2019年海峡两岸(昆山)昆曲交流演出暨5·18昆曲申遗纪念活动”16日晚在江苏昆山举行,图为经典昆曲折子戏《牡丹亭·游园惊梦》演出。 周琴 摄 “昆曲包含了美好的文学、美好的音乐、美好的表演、美好的视觉,是中华精致文化的一个代表。昆曲能够让我们修身养性,让我们这个民族保持优雅、有品位,所以我们要共同传承好昆曲这一世界文化遗产。”台湾昆剧团团长洪惟助说。 昆山是“百戏之祖”昆曲的发源地,也是大陆台资企业最密集、两岸经贸文化交流最频繁的地区。为深化两岸文化交流,昆山相继举办了海峡两岸(昆台)文化交流月、海峡两岸(昆山)中秋灯会等两岸民间交流活动,不断拓展着“两岸一家亲”的新内涵。 据昆山当代昆剧院艺术总监龚隐雷介绍,昆山当代昆剧院已与台湾昆剧团正式“牵手”,签订《关于开展昆曲艺术保护与传承的合作协议》,以“保护优秀遗产、振兴昆曲发展、传承中华文化”为宗旨,探索在昆曲研究、剧目创编、交流演出、人才培养等层面的交流合作。“期待通过常态化、紧密型、项目化合作,实现资源互联互通、共建共享,并推动昆曲演进两岸高校、社区、企业,联结两岸文化同根同宗的情谊,共同为中华优秀传统文化传承发展作出贡献。” 本次活动将持续两天,台昆、上昆、省昆、国光剧团、昆昆等两岸昆剧院团将联袂献上昆曲经典折子戏汇演。
    2019年05月25日 13:24
  • 京剧名家倪茂才主演《杨靖宇》,再现东北抗联故事
    作为吉林省现存唯一一家京剧院团,吉林省戏曲剧院京剧团的现代京剧《杨靖宇》立足黑土地的历史文化,将创作的目光落在历史上的东北抗联及其代表人物,战斗在吉林、牺牲在吉林的抗日英雄杨靖宇。5月22日、23日,该剧在上海宝山区委党校演出两场,作为第十六届文华奖参评剧目参加第十二届中国艺术节。 京剧《杨靖宇》是吉林省京剧团为纪念中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利70周年,纪念民族英雄杨靖宇诞辰110周年而排演的一部作品。是中共吉林省委宣传部、省文化和旅游厅重点扶持的文艺作品。于2014年6月开始建组排练,2014年9月首演。自首演以来,已在省内及北京、上海、天津、杭州等地演出近百场。 海报 本文图片由主办方提供 展现东北抗联历史往事 该剧讲述了抗日战争时期,杨靖宇带领抗联战士们在重兵包围、伤病严重等极端恶劣困苦的环境中,与日本侵略者斗智斗勇、顽强抗争,最终壮烈牺牲的故事,表现了杨靖宇等人的坚强战斗意志以及坚贞不屈的革命信念。 同时,也通过“石奶奶以身护粮,临终托孤”“棒槌老人舍命送粮,饿死山中”等真实生动的情节,展现了人民群众对杨靖宇的深厚情感。全剧以浓墨重彩的壮烈基调,讴歌了在抗日战争的历史背景下杨靖宇将军所带领的东北抗日联军精忠报国、坚韧无畏的爱国主义精神。 着名戏曲导演徐培成担任了这部剧的编剧、导演,剧作家孟繁琳执笔编剧。 对于该剧的创排初衷,导演徐培成曾说:“杨靖宇将军是中国人民抗日斗争史中着名的民族英雄,他在与日本侵略者的斗争中展现出来的东北抗联精神,就是爱国主义精神的集中体现。我们的演出歌颂杨靖宇将军精忠报国、坚韧无畏的英雄情怀,归根到底就是希望这种爱国主义精神能够感染观众,让这种精神在广大人民群众中间一代一代传递下去。” 剧照 京剧“高派”老生倪茂才主演 杨靖宇的英雄形象此前在影视、话剧等艺术门类均有先例,如何在京剧舞台塑造这一角色,演员是最关键因素。而在剧中扮演这一角色的是京剧表演艺术家梅花奖获得者,上海白玉兰戏剧表演奖主角奖榜首获得者,现任吉林省戏曲剧院院长、兼吉林省戏曲剧院京剧团团长的倪茂才。 倪茂才饰杨靖宇 在剧中,作为京剧“高派”老生的倪茂才充分运用了他在京剧唱腔和表演上的感染力。唱腔设计运用了高派声腔中的疙瘩腔、楼上楼等技巧,借鉴了高派传统剧目《逍遥津》、《哭秦庭》中的唱腔形式,风格高亢激昂又不失新意。全剧最后一场,杨靖宇在弥留之际,回忆起了自己远在河南老家的妻儿,这里运用了一段“吟板”来表达杨靖宇内心的情感,唱腔旋律情真意切,感人肺腑。 剧照 此外,全剧也集中了吉林多位京剧名家。 女主角“关山红”饰演者张蕾蕾曾获“第20届上海白玉兰戏剧表演艺术配角奖”。剧中,关山红是老爷岭上的女土匪,在杨靖宇的引导和帮助下,带领兄弟姐妹投靠抗联,最终牺牲在战场上。 花脸名家刘治强在剧中饰“棒槌爷爷”。这个人物在语言设计上增加了东北的方言,也是剧中极有特色之处,充分体现了“军民鱼水情”。 浓郁的关东风情 除了人物表演上有不少东北方言,全剧还有浓郁的关东色彩。如首次在京剧中加入了二人转的艺术元素,小花子与高粱花的二人转《西厢观画》突出了东北风情;棒槌爷爷牺牲时响起的民歌“一杆长烟袋哟,一团红红的火哟”也是展现了东北特有的风土人情。 在传统京剧音乐的基础上,还加入军歌、民歌。剧作一开场便是抗联战士高唱《东北抗日联军第一路军军歌》,奠定了全剧的爱国主义基调。 舞台设计独具匠心,达到了情景相融的艺术效果。从茅草房的村落、秋日漫山遍野的红叶,到冬日的雪原树挂、簌簌而下的大雪,该剧都再现了当时的历史背景、人文风貌。 此外,全剧的武戏也是一大亮点。为了描写战士们飞跃山涧,与日寇展开生死较量,剧院特别制作了两个不同高度的平台,分别是:2米、1.8米,需要演员站在2米的高台上垂直跳下,借鉴杂技中弹床的表演技巧,翻越到对面1.8米的平台上,其难度非同一般。在抗联战士与日寇对打的过程中,观众也将欣赏到演员们奉上的堪比“武打片”的武戏开打,有“真刀真枪”的既视感。 京剧“混搭”交响乐 尤其值得一提的是,现代京剧《杨靖宇》首次启用了交响乐进行伴奏,由吉林省戏曲剧院京剧团与吉林省交响乐团共同合作完成该剧的演出,这也是吉林省两家省直文艺院团第一次合作大型剧目。 乐队特邀了享誉全国的指挥家刘凤德,这位在世界乐坛都有较大影响力的指挥家,1970年代曾工作于吉林省京剧院,对京剧有着特殊的情感。刘凤德表示:“加入了管弦乐,使得京剧的内容更加丰富。音乐的支撑,使得人物形象的塑造更加饱满。这种形式能更多的让观众接触,将年轻人吸引到剧场来,喜欢上国粹京剧。” 此外,剧中主题曲、插曲都采用了京歌的表现形式,音乐内容荡气回肠,节奏鲜明。京剧传统曲牌“折桂令”也是首次出现在现代京剧中,体现了“用国粹演绎国魂”的创作主旨。
    2019年05月25日 13:20
  • 《邓稼先》:唱出一代人的家国情怀
    邓稼先是新中国核武器事业的开拓者、奠基者。26岁,他在美国拿到博士学位的第9天,毅然回到当时一穷二白的中国。34岁,他舍妻别母,隐姓埋名,投身中国第一颗原子弹理论设计工作。1964年,中国第一颗原子弹爆炸成功,2年零8个月后,第一颗氢弹爆炸成功,举世震惊。 文华奖参赛剧目、大型原创黄梅戏《邓稼先》将这位新中国“两弹元勋”的事迹搬上舞台。5月23日、24日,该剧在上海星舞台连演两场。 黄梅戏《邓稼先》由安徽再芬黄梅艺术剧院创排,由曹禺剧本奖得主余青峰、屈曌洁编剧,文华大奖导演张平执导,黄梅戏音乐家陈华庆作曲,国家一级演员刘国平领衔主演。该剧是国家艺术基金2017年资助项目以及安徽省重点文艺项目,经过不断的精心打磨和重大修改,作为安徽省唯一剧目参加第十二届中国艺术节,角逐文华大奖。 黄梅戏《邓稼先》 张培培 图 用戏曲语言表达归国科学家的精神 邓稼先在新中国成立之后毅然回到中国,献身国防科技事业,带领团队在极端刻苦的条件下研制出了中国第一颗原子弹、第一颗氢弹,被称为“两弹元勋”。 “如何用艺术形象把邓稼先表现出来,是我们在创作过程中一直思考的。”张平在了解邓稼先故事的时候,读到邓稼先因为工作保密要求,隐身戈壁滩的秘密研究所,28年间与家人聚少离多,不禁热泪盈眶,“我们戏剧人能做的,就是用戏剧语言把他们这代人的精神表现出来,让这种精神重新‘回归’,让现在的年轻人知道老一辈为我们的国家付出了什么。“ 黄梅戏《邓稼先》。 王利他 图 从接到这部戏,张平就在思考,如何“表达一代人对国家的贡献和承担”。虽然剧名是“邓稼先”,主角是邓稼先,但这部剧想要塑造的,却不仅仅是一个英雄,而是以邓稼先为代表的一批在艰苦条件下为祖国科技国防事业奉献一生的科研工作者。 新中国成立之初,百废待兴,条件艰苦,对于这批从海外留学归来的科研人才而言,放弃的是国外优渥的生活,承担起的是从零起步的重担,为什么还是有大量科技工作者选择回来?为了表达出他们的抉择,张平在全剧开始加了序曲《游子归来》,“有一幕场景是所有人归来之后,看着新中国的国旗。”张平觉得这最能代表那代人的想法,祖国经历了无数苦难,终于有全新的开始,每个人虽然身在海外,都感到了割舍不断的责任和感情。 在全剧尾声,张平又用一场“务虚”的场景把故事拉回精神层面,让这些成功研制了“两弹”的科学家重回圆明园。最后一次走进圆明园,面对断壁残垣,邓稼先坦露心迹:“我们不爱武器,我们爱和平。为了和平,我们需要武器。假如有来生,我仍选择这个事业,选择我的祖国……” “圆明园对我们意义重大。老一辈科学家为什么回来?因为他们想到了中国被列强欺凌的日子。邓稼先为什么28年几乎没回家?他也是一个正常人,也想回家,但他坚守了28年。我想用我的手段传达他们的信念。”张平说。 黄梅戏《邓稼先》。 王利他 图 以小家碧玉的黄梅戏挑战宏大题材 邓稼先是安徽省安庆市怀宁县人,生在黄梅戏的故乡安徽安庆。用黄梅戏艺术歌颂自己本地的伟大人物,通过“家乡戏唱家乡人”,是剧目创排的初衷。 但在创作之初,主创团队就遇到了不小的挑战:黄梅戏擅长于小家碧玉、小桥流水,经典人物形象也以女性居多,如《天仙配》中的七仙女、《女驸马》中的冯素珍等等。而两弹元勋邓稼先的故事却是波澜壮阔,不仅主角是男性,表现题材也是大开大合的家国情怀,内容很“硬”,这对黄梅戏的创新提出了很高的要求,也是一次艰巨的挑战。 为此,主创团队数易其稿,最后大胆采用了纯粹写实的手段呈现这出《邓稼先》,剧情完全根据主人公几个重大的生命节点来推进:留学归国、别妻埋名、科研进展、原子弹实验成功、遥别病母、氢弹实验成功等等,而这些贯穿于邓稼先生命的重大节点又无不关系到中国国防科技的重大进展。用一个个鲜活的事件,串联起邓稼先的一生奉献。 排练中历经十几版修改,演员都全心全意扑在角色里。“我在排练中感受到那一代人的伟大。邓稼先的家国情怀一直鼓励我,我也一直在竭尽全力诠释这个角色。”邓稼先扮演者刘国平说。 在音乐方面,除了黄梅戏的传统音乐,主创团队还大胆采用了交响乐。“传统音乐无法呈现大气磅礴的风格,这次是国家命运,我们要做出厚重、感人的感觉。”作曲陈华庆是着名黄梅戏作曲家,为几十部黄梅戏创作音乐,此番尝试将交响乐融入黄梅戏,也是全新的探索。 在舞美方面,主创团队也做了一些尝试,大量使用新媒体技术,还将原子弹、氢弹爆炸成功等历史影像在舞台上重现,为戏曲表演植入了某种纪实性色泽。 “新媒体的运用,不能说是颠覆,但表达了我们对黄梅戏的一些新的思考和探索,希望未来我们在中国戏曲,特别是黄梅戏方面做出更多探索。”张平说。
    2019年05月25日 13:09
  • 第26届锡比乌国际戏剧节将举办“中国季”
    中国驻罗马尼亚大使姜瑜23日说,为庆祝中国和罗马尼亚建交70周年,中国驻罗使馆将与锡比乌国际戏剧节合作,在2019年6月举行的第26届锡比乌国际戏剧节期间举办“中国季”。 姜瑜当天在布加勒斯特举行的第26届锡比乌国际戏剧节新闻发布会上介绍,“中国季”将分为演出和灯展两个单元。演出单元,中国艺术团将带来川剧《李亚仙》、实验京剧《蠢货》和中国现代舞《生命·舞迹》等精彩演出。灯展单元,来自四川自贡的彩灯展将把罗马尼亚最大的露天博物馆——锡比乌市的阿斯特拉博物馆装扮成色彩斑斓的灯光世界;来自江苏常州的厨艺代表团将在灯盏开幕式上展示精湛厨艺和中国特色美食。 姜瑜说,希望“中国季”能为戏剧节增添一道亮丽的风景线,为广大观众带来全新体验。她说,多年来锡比乌国际戏剧节与中国保持密切交流与合作,为增进两国人民的了解和友谊做出了突出贡献。 第26届锡比乌国际戏剧节组委会主席康斯坦丁·基里亚克高度评价罗中两国近年来在文化艺术领域的战略合作,他为中国艺术团体再度亮相锡比乌戏剧节、让各国观众能欣赏到中国丰富多彩的戏剧艺术感到高兴。 锡比乌国际戏剧节是欧洲三大戏剧节之一。第26届锡比乌国际戏剧节将于6月14日至23日举行,来自70多个国家和地区的3000多名艺术家将在罗马尼亚锡比乌市的各大剧院、音乐厅等场所举办500多场活动。
    2019年05月25日 13:07
  • 北京曲剧《太平年》将于5月13日至17日在北京天桥剧场
    5月7日,北京曲剧《太平年》编剧王新纪、导演顾威、作曲戴颐生及剧组演员等来到老舍故居丹柿小院,与观众见面,为戏迷演绎剧中精彩唱段,讲述剧目创排背后的故事。 5月13日至17日登陆天桥剧场 北京曲剧《太平年》将于5月13日至17日在北京天桥剧场连演5场,再现新中国成立前夕北京西城胡同里的人情冷暖,追寻中国共产党的初心。 《太平年》的故事发生在1949年10月新中国成立之前,北平究竟是和平解放还是会有关键一战,悬而未决,槐荫儿胡同的老百姓也因为局势的不明朗,生活发生了一系列变故。一心为民谋福祉的中国共产党员张志民、知识分子家庭出身的先进女性郑婉贞、靠典当祖产过活的老旗人费三爷,还有靠被服厂发财的崔喜芬、在苦命中挣扎的安淑云和安广顺姐弟……形形色色的人物在风云变幻的北京登场,演绎着他们的欢乐、苦恼、迷茫和思索。 现场,剧组演员一一亮相。从主演到群演都是北京市曲剧团的年轻人,尤其是以郭曾蕊、李相岿、李永德、王玉、彭岩亮、胡优等为代表的北京曲剧的新生代,他们不仅有专业的学习经历,并且跟北京市曲剧团的老前辈进行过专门学习,各有擅长的剧目和角色。 《太平年》由王新纪担任编剧,他曾将《茶馆》《四世同堂》《开市大吉》等老舍先生的多部作品改编成北京曲剧;导演顾威与北京曲剧结缘20多年,《烟壶》《龙须沟》《茶馆》《正红旗下》《啼笑因缘》等作品均由他一手主导;戴颐生更被称为北京曲剧的功勋作曲家,76岁仍奋战在创作一线。 《太平年》作曲追求北京韵味儿 提及创排《太平年》的初衷,王新纪回忆:“写这个戏的动议是北京市曲剧团10年前提出来的。当时要庆祝新中国成立60周年,觉得以北京曲剧曲牌‘太平年’为题写一出戏,挺合题也喜兴。提纲也是那时候写出来的。如今这个题材又提上日程,就有了这个剧本。”在新中国成立70周年之际,创排《太平年》,是北京市曲剧团拓宽创作题材、锻炼演员队伍的一次有益尝试。 顾威现场介绍了《太平年》的创作、排练思想,“《太平年》中的人物设置和社会环境跟北京市曲剧团此前的作品不同,这次写的是北京西城,跟观众熟悉的《骆驼祥子》《龙须沟》里表现的南城不一样,老话儿说‘东富西贵’,很多当官的和文化人过去都生活在西城,人物的气质、表现要区分开,这在郑婉贞这个人物身上表现得比较明显。”顾威分析道。在《太平年》的呈现上,顾威并不赞同一味讨好观众,他更希望能够通过这方舞台,这短短两个小时,讲述一个新鲜的故事,让演员和观众都有所收获。 排练现场,戴颐生给演员说戏,语言不能及的时候,她便直接张口开唱以作示范。这次为《太平年》作曲,她颇费了些心思。“这个剧在北京曲剧的舞台上是种新的形式,剧中写的是特定历史时期北京西城的生活状态,在文本、音乐、表演上提出了新的挑战。”戴颐生强调,她在《太平年》的作曲中坚持两点,一是风格上一定要体现北京曲剧的唱腔特点,韵律上追求北京韵味儿,让观众一看就知道这是北京人发生在北京的事儿;其次在唱腔音乐中要准确塑造众多人物,通过不同的唱腔体现人物性格。 35周年曲剧团演绎新北京故事 除了专业演员的登台,一群萌娃的登场则让现场气氛更加活跃起来,来自北京市丰台五小万柳分校的19名小学生身着盛装,勇敢地走上舞台,与大演员携手演唱北京曲剧《正红旗下》片段,展示了北京曲剧进校园传承普及传统文化的成果。据悉,丰台五小万柳分校是与北京市曲剧团合作多年的北京曲剧基地校,每周北京市曲剧团都会派老师到学校讲唱北京曲剧,参与到孩子们的社团活动中来,普及传承北京地方戏文化,使孩子们从小耳濡目染,接受戏曲熏陶。 今年是北京市曲剧团成立35年,在北京曲剧的舞台上,我们看到了《骆驼祥子》《龙须沟》《正红旗下》等作品,触摸到一个鲜活灵动的老北京;近年来,北京曲剧一代又一代演员为了剧种的传承发展,也在舞台上演绎着新时期的新北京故事,作为北京演艺集团九大院团之一,北京市曲剧团的新创剧目让人看到了新北京的新风貌,彰显了北京演艺集团的发展实力。 此外,活动同时是北京演艺集团九大院团公众开放日的第九站,此前已举办了中国杂技团、中国评剧院、中国木偶艺术剧院、北京歌剧舞剧院、北京儿童艺术剧院、北京曲艺团、北京民族乐团、北京市河北梆子剧团各院团的开放日活动。
    2019年05月16日 11:39
  • 大型古装神话曲剧《龙情》平顶山曲剧团演出
    纵看古今,人生皆戏,戏映人生。 【大众剧院】大型古装神话曲剧《龙情》平顶山曲剧团演出,主演:姚君良 剧情简介: 作为以“龙文化”为主题、以刘姓始祖刘累为主人公的首创之作,《龙情》讲述的是在遥远的夏代,“御龙氏”刘累师从董父,历十载学习养龙之术。黄河岸边,小龙女受龙王之托赐刘累两条青龙。刘累立下誓言,养龙护龙,再塑图腾,造福百姓,福佑中华。夏王孔甲荒淫残暴,民不聊生,叛乱频起。为推行专制暴政,改龙图腾为狼图腾,颁令剿杀蛟龙,诛灭忠良。刘累大义凛然,誓死进谏。奸臣郎金蝉为虎作伥,命刘累献龙心于夏王。生死关头,刘累佯装屈从,设计逃脱,深夜带龙远逃尧山。饥饿劳顿,昏倒山下,幸得忠良之后云儿搭救。云儿感动其大爱大义,与刘累一起风雨共担,深山养龙,传播开明、仁政、大爱、不屈、和谐的图腾文化,开启国民心智。十五年相濡以沫,夫妻情深,一家三口亲情融融。孔甲为刘累逃脱、未食龙心,更为龙图腾冲击专制、王权不稳而一直耿耿于怀,恼羞成怒,命郎金蝉掘地三尺辑杀刘累。郎金蝉听从属下毒计,颠倒黑白,诬陷青龙为大蛇、刘累为蛇妖,致百姓不明真相,义愤填膺。恰逢刘累之子山泉下山买盐,受众蛊惑,误会父亲。刘累痛苦万分。同时,郎金蝉怀疑山泉身份,暗中跟踪。尧山上,刘累为护龙誓死一搏。儿子、妻子相继亡于刀下。亲人喋血,刘累肝胆俱裂,怆然欲绝。此后,刘累在世人误解、诅咒中忍辱负重,不改初衷。大旱之年,刘累冒死下山,与孔甲等专制残暴势力生死对决。在小龙女的帮助下,专制者终被正义所诛。青龙施雨,解救黎民,普降祥瑞。真相终大白于天下。龙翔九天,华夏图腾,成为世人共识。 曲剧《龙情》通过开明、仁政、大爱、不屈、和谐的龙图腾文化与专治、暴政、人治的狼图腾文化激烈碰撞与殊死较量,深刻揭示了以“龙图腾”为代表的先进文化对落后、腐朽文化的冲击,弘扬了以刘累为代表的龙的传人对龙文化的扞卫和华夏民族的深情大义,彰显了坚贞不屈、九死不悔、一诺千金、义薄云天的民族性格和民族精神,昭示了历史长河中人类文明的走向和中华民族伟大复兴的美好未来。 本剧主创团队 由平顶山市艺术研究所所长、国家二级编剧、小说家胡炎担任编剧,国家一级导演王小五担任导演,特邀国家一级作曲吴灿江担任音乐设计,平顶山电视台文艺部主任柯杨担任舞美设计,张晓、罗岗担任灯光设计,蒋现峰担任服装设计。 主要演员 刘 累——国家一级演员 姚军良 饰演 云 儿——国家一级演员 杨 环 饰演 孔 甲——国家二级演员 常志平 饰演 郎金蝉——优秀青年演员 王世奇 饰演 山 泉——优秀青年演员 王伟利 饰演 小龙女——优秀青年演员 鲁梦华 饰演 白胡子——国家二级演员 朱自松 饰演 结巴刘——国家三级演员 武国梁 饰演 郑 勇——优秀青年演员 闫全涛 饰演 陈大庆——优秀青年演员 陈大庆 饰演 群众、兵丁、歌姬 由本中心演员饰演 曲剧《龙情》是平顶山市戏剧研究中心曲剧院精心打造的一部挖掘历史文化、弘扬民族精神的精品力作。历时一年有余,对该剧反复打磨,精益求精,终于使这部被列入平顶山市文化产业重点扶持项目的精品剧作呈现在观众面前。
    2019年05月16日 11:37
  • 我们的中国梦-文化进万家,传承国粹情京剧专场演出精彩纷呈
    12日,滨城区市东街道文苑社区、市东街道文体站、书香名居兼合式党支部共同举办“我们的中国梦-文化进万家,传承国粹情”京剧专场演出活动。 京剧是中华民族之国粹,是中华民族的文化符号和重要传播形式。表演者们用京腔京韵高唱中国梦的华美乐章,用一腔热血唱响滨州人的富强梦,也为现场的妈妈们送去了一份特别的礼物。 演出在小朋友的一曲《红灯记》中拉开序幕,《梨花颂》、《贵妃醉酒》、《苏三起解》、《钓金龟》等经典选段让人感叹中国文化的博大精深,《沙家浜》、《红灯记》等选段,表达军民、党群一家亲,共同抗击敌人保家卫国的故事。精湛的演技、婉转的唱腔,让在场的居民朋友深深领略到了国粹艺术的魅力。现场时不时有居民被气氛所感染也跟着唱了起来,精彩的演出让观众大饱耳福,引得京剧迷们连连拍手叫绝,把整台演出推向了高潮。 本次京剧专场演出传递正能量,在庆祝母亲节,让居民在文化盛宴中汲取力量的同时,立足建设“富强滨州”,围绕市东街道“五力提升年”,传承经典,坚定前行。
    2019年05月16日 11:32
  • 新编古装豫剧《单娘》在郑州首演
    由郑州市豫剧院、登封市豫剧团合作排演的新编古装豫剧《单娘》,于5月10日在郑州艺术宫进行了首场演出,受到观众好评。5月11日上午,原创大型古装豫剧《单娘》首演专家研讨会在河南省文联举行,陈涌泉、齐飞、王洪应、刘景亮、谭静波等剧作家、评论家齐聚一堂,对该剧进行了研讨。 明代中期,贤惠善良的农妇单娘带着儿子春显嫁给了在外经商的张廷玉,婚礼当日,张廷玉的儿子金瀚抗拒父亲再娶,连夜跑出家门,单娘冒雨将其找回,通过真诚、真心的对待,逐渐化解了金瀚的抵触情绪。曾被后娘折磨的单娘,下定决心一定要当好后娘,对待金瀚比亲生儿子还要疼爱,可被惯大了的金瀚却陷入赌博歧途,单娘悔恨交织……《单娘》情节紧凑,人物鲜活,向观众提出了“父母怎把儿女养,敬望诸君细思量”的深刻命题。 《单娘》是为崔(兰田)派再传弟子、豫剧表演艺术家张宝英得意门生吴慧霞量身打造的原创豫剧,塑造了一个独特的后娘形象:她善良朴素,对孩子万分疼爱,却教子失职,造成悲剧,发人深省。在首演中,该剧流畅的情节、精美的舞美、动人的唱腔赢得观众的好评,现场反响热烈。 “一部好戏应该做到好听、好看、动人,这些,《单娘》都做到了。整部戏朴素自然,富有生活气息,演员表演得很到位,情感点的处理上恰到好处。”研讨会上,与会专家一致认为,《单娘》题材独特,唱段优美,故事发人深省,通过讲述家长里短的小故事揭示了大道理,深刻探讨了如何教育子女这一现实命题,是一部具有现实意义的戏。 同时,专家们也就细节处理提出了修改意见。主创人员表示,将继续对《单娘》进行打磨提高,争取把它打造成一部唱得响、传得开、留得下的精品佳作。
    2019年05月14日 15:13
  • 晋剧《巡城记》来乌海演出免票观看
    晋剧《巡城记》活动概况 演出时间:2019年5月10日 晚7:30 2019年5月11日 晚7:30 演出地点:当代中国书法艺术馆剧场 乌海市群众艺术馆 诚邀广大市民前来免费观看精彩大剧! 晋剧《巡城记》讲述的是清乾隆四年,大清官刘统勋在奉旨查办绥远建城贪腐大案中,与绥远副都统詹岳和建城总管铁顺为首的贪腐集团之间,围绕着保护和追杀掌握案情关键证据的原建城副总管的遗孀关夫人,所进行的斗智斗勇、殊死较量。 通过刘统勋私访、巡城、赚贪、惊梦、骂宴等错综复杂的故事情节的演绎,集中表现了其体察顺应社情民意、关爱呵护民工百姓、巧妙惩处贪官污吏、铁面无私舍身护法,最终依靠人民群众的力量,战胜不可一世的邪恶势力,成功侦破和查处绥远建城贪腐大案的感人事迹和从政美德,从而热情歌颂、弘扬了我国古代廉政文化的优良传统。
    2019年05月14日 15:11
  • 天津评剧院2019年5月17日演出评剧《对花枪》
    评剧《对花枪》 演出剧团:天津评剧院 演出时长:140分钟 剧目票价:30起 售票状态:正在售票 演出地点:宝坻影剧院-天津市宝坻区城关广川路12号 剧目简介:隋朝末年,罗艺少年时,进京赴考,途中病在姜家集,被姜桂芝父亲救回家中,并让女儿姜桂芝向罗艺传授姜家花枪。二人一同练习花枪,彼此爱慕,由姜父做主,结为夫妻。一年后,罗艺再次赴京应试时,姜桂芝已身怀有孕。离别后,音讯难通。姜桂芝父母亡故,携子离开家乡,流落在龙口村。隋朝战乱四起,罗艺投奔瓦岗寨,又娶秦氏,生子罗成。四十年后,瓦岗寨史大奈、尤俊达到龙口村借粮,姜桂芝因而得知罗艺在瓦岗寨,遂带子罗松,孙罗焕投瓦岗以求团聚。罗艺既怕见责于秦氏和儿子罗成,又怕在众人面前有失自己长者尊严,因而矢口否认和姜桂芝的姻缘。姜桂芝见罗艺忘了前情,气愤已极,披甲上马,定要在瓦岗寨众将面前和罗艺比武对花枪。罗艺无奈只好应战,结果被姜桂芝打下马来,罗艺羞愧万分,乃认妻谢罪。姜桂芝在众人劝解之下与罗艺重归旧好,一对老夫妻又得团圆。 宝坻影剧院2019-05-17 19:15 《对花枪》 主创人员 出品人、监制:曾昭娟 导 演:谷奎林 音乐整理、配器:张璐 唱腔整理:劳洁、剧文林 舞美设计:周金山 灯光设计:刘晓强 化妆设计:李红军 服 装:张美莹 道具设计:赵志欣 剧务、舞台监督:息玉辰、陈延光 司 鼓:于学武 板 胡:朱永江 《对花枪》 演员安排 姜桂芝:李丽华 罗 艺:王 昆、息玉辰 罗 松:李宣捷 罗 成:段虎城、息玉辰 罗 焕:王尚君 罗松妻:刘灵芝 孙 女:徐 雯 程咬金:王志海 秦 琼:李秀清 徐茂功:郑春林 尤俊达:孙宏利 史大奈:陈联军 报 子:王 群 四丫鬟:王晓凌、曹露双、庄金珠、宫绎雯琪 四女兵:王馨苹、刘洛含、杨小卉、李慧荣 众裘兵:王岩、朱宁、王桂森、张爱武、陈广亮、苏学寅
    2019年05月14日 15:07
  • 《红军故事》:小故事大气象
    国家京剧院最新创排了一部别致的“大戏”,这台“大戏”由三个小戏《半截皮带》《半条棉被》和《军需处长》组成。之所以说这部作品是一台“大戏”,是因为这台戏虽由小戏组成,却由顶尖的戏曲院团、顶尖的主创人员创作,可以说是大剧团小身段、小身段大气派,大剧种小创作、小创作大手笔,大主题小故事、小故事大气象。这种别开生面的创作思路,以及它的艺术探索,无论是对于京剧剧种发展还是国家京剧院的创作,抑或是革命历史题材、现实题材戏曲创作,都有非常重要的启示意义。 《红军故事》取材于三个颇具代表性的故事:红军过草地时吃剩的半截皮带、反围剿时军民与共的半条棉被、爬雪山时牺牲自己保全部队的军需处长。虽然是三个各自独立的小戏,但是全场演出以歌颂红军精神、缅怀红军先烈、重唤红色记忆、重铸红色信仰为共同主题,以贯穿始终的斜坡舞台为演出支点,以统一的导演手法凸显舞台风格,以演员精彩的演绎为核心,既讲好了小故事,又表达了大主题,还抒发了大情怀,成为一台风格突出、个性鲜明却又和谐统一的剧作。 《红军故事》虽是三个小戏,但三个故事却都注重剧情的一波三折,在微小的事件中“挖”出情感戏、内心戏,以情感表达和人物塑造彰显戏曲艺术的核心本质,同时充分展现戏曲的演唱之美、表演之美,这是该剧的重要特点,也为当前现实题材戏曲创作提供了可资借鉴的思路。红军在长征途中吃皮带、吃皮鞋、吃枪套的故事众所周知,但是,《半截皮带》运用文学创作“托物喻人”的手法,从半截皮带入手,既表现了老班长刘红根为了让战士们吃上东西自己忍饥挨饿最终虚弱而死的感人故事,还以这半截皮带为线索,引出了这条皮带的主人——老班长的儿子英勇牺牲的壮烈往事。这半截皮带,成为承载英雄精神、亲人念想和革命记忆的象征,吃与不吃、舍与不舍,成为人物情感纠结和情节发展的焦点。 《半条棉被》同样如此,红军女战士把自己的棉被一剪为二与群众同甘苦的故事非常感人,虽然献出棉被是三个女战士共同的选择,但是围绕这条棉被,又表现出三个女战士的迥异性格和态度变化:卫生队长冯康如沉稳大气,她虽知道棉被的故事却不点破,始终尊重谢梦溪的意愿和选择;谢梦溪性情娇弱却识大体顾大局,她虽万分不舍,但出于对饥寒交迫的大娘的同情,也出于共产党员革命战士的觉悟,她毅然决定献出棉被;丁胜男爽朗率直,面对谢梦溪的优柔寡断,她颇不耐烦,但是当得知棉被的故事后,她为自己的鲁莽深感悔恨。短短一个小戏,故事曲折动人,人物性格鲜明、形象饱满、感情丰富,剧情和人物始终处于发展的张力之中。 在战争岁月已经消逝半个多世纪的今天,缅怀历史、纪念英雄,追忆是一种既可寄寓深情又能表达敬意的方式。《红军故事》的三个小戏都有回忆,但是回忆的角度、艺术表现的手法却各有特色。《半截皮带》以老年周国才的回忆形式展开,讲述老班长刘红根及其儿子的故事,在回忆之中,又穿插了周国才讲述红根叔儿子的故事。这段戏中戏的回忆,是通过扮演青年周国才的武丑演员赵辉辉的大段念白和身段表演完成的,既表现讲述时情绪的激烈,又表现了演员的表演功力,增加了戏曲的可看性。《半条棉被》以老年徐解秀的回忆为线索,充分发挥优秀老旦演员袁慧琴的唱腔优势,让观众过足了戏瘾。不仅如此,这部小戏以唱腔取胜的特点,还表现在设计了徐解秀与三位女卫生员的合唱、轮唱,其中饰演冯康如的周靖是程派,符合冯康如卫生队负责人的稳重大气的气质;饰演谢梦溪的郭霄是梅派青衣,嗓音圆润甜美,扮相青春活泼;饰演丁胜男的郭凡嘉的表演和唱腔同样非常精彩。这种充分发挥京剧声腔流派特点和演员个性的做法,是作品保持高水准艺术创作的保证。 在回忆的穿插运用上,《军需处长》运用的方式明显不同,该剧表现的是红军过雪山的艰苦征程中,军需处长火雁为了保证后勤供应、保障全体战士全员满编,恪尽职守,牢记职责,不断地把自己的衣物让给其他同志,自己最终却冻死在雪山上的英勇悲壮的故事。火雁在临终之即,因饥寒交迫,意识模糊,凭着三次划着火柴带来的温暖,他产生了幻觉:他仿佛回到鱼米之乡的故乡,看到一起欢快打鱼的小伙伴唱着欢快的歌谣,仿佛听到母亲温柔唤归的声音;他仿佛在光亮之中看到心爱的姑娘正在为他绣制腰巾,这条他形影不离的腰巾此刻正披在他寒冷的身体上,他在风雪之中挥起腰巾,与爱人缠绵共舞,互诉相思与衷情;他仿佛看到红军大部队冲锋陷阵,最终赢得革命的胜利。这里采用更具现代意识的闪回、意识流的手法,体现的是戏曲艺术时空处理自由灵动的美学原则。 张曼君导演“新歌舞演故事”“新三民主义”的创作特点,因在大量作品中反复强化,成为她的标志性风格。在《红军故事》里,她同样娴熟地发挥了这些手法和特点,用典型的张曼君手法赋予革命历史题材新特点。这在张曼君创作的地方剧种红色题材如赣南采茶戏《山歌情》和《永远的歌谣》、评剧《母亲》等剧中显得与剧种地域特色相得益彰,但是在京剧中运用民间歌谣、民间舞蹈显得意义非凡。京剧唱腔与民间音乐如何融合,成为特别有意义的重大命题和时代命题。事实上,如今被誉为“国剧”的京剧,原来就是从来自地方的徽调、汉调而来,但因为“国剧”的沉重责任和要求,京剧唱腔、身段变得固化,难以有新的发展,新的突破。在《红军故事》里,张曼君紧紧抓住戏曲要表现人、戏曲由人创造的核心,充分发掘剧中人、创作者所生长、生活的地方和故事发生地的地域文化属性,将带有地域特色的民间歌谣、民间音乐和民间舞蹈引入剧中,融入唱腔设计和身段表演之中,给传统京剧表演演唱艺术注入一股清新亮丽的民间清流,从而撬动了京剧唱腔作曲音乐和身段舞蹈创新改革的杠杆。
    2019年05月11日 10:37
  • 喜迎建国70周年“戏曲进校园 经典共传承”评剧专场演出
    评剧,是流传于中国北方的一个戏曲剧种,是广大人民所喜闻乐见的剧种之一,位列中国五大戏曲剧种。曾有观点认为是中国第二大剧种。清末在河北滦县一带的小曲“对口莲花落”基础上形成,先是在河北农村流行,后进入唐山,称“唐山落子”。 艺术特点,以唱工见长,吐字清楚,唱词浅显易懂,演唱明白如诉,表演生活气息浓厚,有亲切的民间味道。它的形式活泼、自由,最善于表现当代人民生活。 感受戏曲韵味,传承国粹文化。今天,建华中学的礼堂搭起了戏台子,优美动听的唱腔,丰富多彩的造型,惟妙惟肖的人物形象,给校园内的学子们带来了一场视觉和听觉的盛宴。 为了深入贯彻落实党的十九大精神,牢记总书记嘱托,坚定文化自信,做好文化宣传工作。在喜迎建国70周年之际,2019年5月7日下午,劝业场街道办事处携手新疆路社区走进建华中学,举办喜迎建国70周年“戏曲进校园 经典共传承”评剧专场演出。出席活动的领导有:劝业场街道处级调研员王春燕、建华中学校长王钊、劝业场街道社会事业发展科科长白绍霞、新疆路社区党委书记王剑,参加活动的还有辖区党员志愿者、建华中学学生共200余人。 演出伊始,评剧《花为媒》花园赏花一折,脍炙人口,深受同学们喜爱,在现场唱段里面让人们仿佛感受到百花曾艳、各种生物都有灵性,可谓是“天生地造”的精品;一段《金沙江畔》,重现了红军长征跋涉过程中感人至深、扣人心弦故事情节和少数民族同胞深厚的鱼水情谊。还有大家耳熟能详的经典唱段《杨三姐》哭灵、《秦香莲》见皇姑等,现场演员们精湛的演技赢得了观众阵阵掌声,带动了全场气氛。 今天的活动让同学们不但领略到了戏曲之美,弘扬了中华民族传统文化,也让大家感受到了中国传统文化的魅力,让同学们在心里种下一颗戏曲的种子。引导青年学生弘扬优良传统,培养德智体美劳全面发展的社会主义建设者和接班人。
    2019年05月11日 10:31
  • 京剧《周仁献嫂》长安大戏院上演
    京剧《周仁献嫂》 时间:2019.05.10 星期五 19:30 场馆:长安大戏院 点击查看:观众座位示意图 票价:50/100/180/280/380 第2次购买 享98折优惠 演出单位:云南省京剧院 温馨提示:1.2米以下儿童谢绝入场(儿童项目除外),1.2米以上儿童需持票入场。 京剧《周仁献嫂》长安大戏院5月10日上演 【主演】 剧中人…………扮演者 周 仁…………朱 福 冯素蕙…………胡小红 杜文学…………周 凯 严 年…………冯 浩 风承东…………陈 磊 杜 妻…………辛 苑 王四公…………李佳阔 中 军…………范奚文 轿 夫…………许宸玮 两 将…………潘 扬、张 伟 二差人…………任喜亮、宁国旺 八校尉…………赵利源、赵 波、张世杰、肖 鹏、刘鹏飞、董海冰、李光军、张亚宇 四军士…………赵利源、赵 波、张世杰、肖 鹏 四刀斧手………蔡晓东、邢承牛、朱顺利、张 璞
    2019年05月11日 10:28
  • 激活传统京剧的当代生命力
    史依弘与她的创作团队最近在上海演出了新编京剧《新龙门客栈》,引起高度关注和热议,在我看来原因有二。其一,史依弘近几年相继尝试了多种展示个人特色的京剧表演形式,其鲜明的“求变”姿态引人瞩目,尤其是去年她一人挑梁尽情演绎《梅尚程荀》的“老戏个唱”之后,同行和戏迷对她及其团队如何呈现多角色、多行当的舞台表演与怎样表达原创京剧大戏的“戏剧叙事”充满兴趣。其二,《新龙门客栈》是广为人知的经典武侠影片,将其作为“艺术底本”来创作一部京剧大戏,对京剧历史有所了解的人都会联想到曾以武侠戏为亮点的海派京剧。对这种久违的京剧地域门派及其表演风格的好奇心,实际上反映了当代不同观众群体对海派京剧之传统与创新的很大期待。 走进上海大剧院观看京剧《新龙门客栈》的首演,艺术直觉告诉我:这是一部有品格、有品质的戏剧作品,从中可见以史依弘为代表的一批中生代京剧人的大胆探索和艺术追求,渗透其中的是艺术家们直面海派京剧传统的严肃思考与创新意识。 审美取向:用鲜明的表演“劲头”和舞台节奏感来增强戏曲“观赏度”。 “海派京剧”是一个有历史底蕴和文化内涵的名称,以当代视野对其再思与重识,有助于我们深入理解京剧《新龙门客栈》之艺术探索的意义。 谈论海派京剧,我们就要面对一个很实在的问题:究竟什么是海派京剧的艺术特质?京剧艺术的“海派”(亦称“外江派”)诞生于清末民初的上海,它与坐镇北京的“京派”(亦称“京朝派”)分庭抗礼,相互媲美。上世纪二三十年代是海派京剧的鼎盛期,周信芳享誉戏坛的麒派演剧,盖叫天独步天下的武生艺术,林树森技艺精湛的关老爷戏,郑法祥和张翼鹏各领风骚的猴戏表演,共同成就了一个时代的京剧辉煌。 必须指出的是:海派京剧首先姓“京”,它在体现京剧艺术之“本”的程式化、虚拟性、舞蹈性表演特征方面与京朝派并无区别。海派京剧得以在南方立足并能与京朝派抗衡、媲美的是它强调动态性舞台表演的戏曲品格和艺术追求——以突显京剧生命体征的唱、念、做、打构建栩栩如生的舞台形象,强化角色个性、激扬人物感情与注重演剧效果是其艺术特质的基本要义。以周信芳为代表的海派京剧表演艺术家之所以能创造出影响京剧历史轨迹的艺术璀璨,是因为他们的舞台表演紧扣人物感情,强调戏剧张力。为了达到有生命力的舞台形象塑造,在尊重京剧艺术核心原则与基本规律的同时,海派京剧敢于打破一些传统束缚。正是这种注重表演节奏与戏剧色彩的整体性艺术呈现,使得海派京剧的“可看性”远远胜于京朝派的舞台表演。 因此,无论从戏曲理论还是从表演实践上讲,海派京剧用鲜明的表演“劲头”和舞台节奏感来增强戏曲“观赏度”的审美取向不仅有它独具的历史意义,更有其激活京剧艺术生命力的当代价值。 为了塑造人物形象而突破行当设置,乃是海派京剧引以自豪的艺术特征之一,这在《新龙门客栈》中得到了充分体现。史依弘一人扮演金镶玉和邱莫言两个角色,前者激情火辣的形象塑造结合了花旦与武旦的表演程式,后者冷峻神秘的意态展现则以青衣路子应工。史依弘这位刀马旦与武旦出身的大青衣显然对这样反差强烈、戏份饱满的双角色表演游刃有余。同样,傅希如饰演的周淮安也无法用一个行当去界定,既有老生的沉稳庄重,也有武生的英勇矫健,还有小生的俊秀优雅。更让人眼前一亮的是孙伟扮演的东厂头目贾廷,文武老生应工的角色刻画融入了丑角与小生的表演特色,反派人物的形象构造由此多了一种超越常规套路的艺术趣致。这种突破戏曲行当的演剧路子表明:海派京剧表演特有的人物风韵及其舞台光彩是对传统戏曲的重大贡献,其深厚的艺术内涵和美感蕴意尚待进一步探究、开采。 《新龙门客栈》给我印象最深的是唱腔设计,它在很大程度上深化了全剧的“京剧品格”与艺术表现力。在传统的认知中,海派京剧的“唱”往往不像它的“念”“做”“打”那么出彩,并曾导致人们对海派京剧的某种负面评价。我认为,除了纯粹的武戏表演,京剧的“唱”应该是其整体性艺术表现中最为重要的元素和手段。“唱”是贯通整个戏剧进程的“血脉”,尤其在一部多角色组合与注重人物性格刻画的京剧大戏中,唱腔及其演绎对追求京剧本体艺术美的戏剧叙事具有至关重要的作用。 必须为此剧的唱腔设计费玉明先生点赞,他所谱写的唱腔既有传统韵味又有时代气息,更为重要的是,剧中人物的许多唱段都能紧贴角色个性及其心境变化,并与戏剧矛盾冲突环环相扣。全剧的唱段中,西皮的板式占了很大的比重,这是极为明智的选择,因为西皮声腔的旋律性格和节奏样态要比二黄板式更为明快流畅。因此,在这部强调表演动感、讲究戏剧叙事的京剧大戏中,西皮声腔与板式的丰富多变及其表现能量显然很有效果地带动、促进了京剧舞台应有的“戏剧张弛”。特别要赞扬的是,此剧的唱腔设计显现出别具一格的音乐创意,令人耳目一新。剧中的唱段全都根植于京剧传统的声腔体系,但我们在此听到的南梆子、流水、二六、原板、快板与四平调等唱段都有各自独特的音乐性格和表现意味。尤其让我感到惊喜的是,以往在传统唱腔中不被重视的散板和摇板这样的“散化性”音乐表达在此剧中有了颇具亮点的表现作用。正是这种有根基、有新意的唱腔设计让我们在进入人物内心世界和戏剧情境的同时,体验海派京剧音乐创意的美妙带来的艺术感动。 仍需打磨:角色间的武打设计与整体性武戏场面缺少艺术表现的“层次感” 京剧《新龙门客栈》已经有了很好的艺术基础,但要成为一部海派京剧的精品之作,尚需史依弘与她的创作团队继续思考,不断打磨。 首先值得再思考的是剧中几位主要人物的形象塑造。从首演的情况看,金镶玉一角无疑是成功的,与之相比,邱莫言的形象就显得比较单薄,无论是唱段的安排还是舞台表演,完全处于下风。作为戏剧角色,金镶玉与邱莫言当然可以有主次之分。然而,在这部一人分饰两角的大戏中,若能进一步强化青衣应工的邱莫言的戏份,通过多种表现手段来突出其内敛沉静的内在张力,整个戏剧的矛盾冲突和剧中人物“侠义情怀”的艺术演绎必将达到一个新的境界。 王玺龙饰演的曹少钦这一角色的形象塑造更应该再度思量。作为剧中头号反派人物,以武生应工的曹少钦本应有足够的“戏”来支撑起戏剧矛盾冲突的重要一端,但现在的曹公公被弱化成一个只起铺垫作用的配角。在他仅有的两段戏中,我们看到的只是一位过场性质的“武行头”,根本看不出以“大武生”的身份进行表演的东厂大头领那种“顺者昌来逆者亡”的凶狠与霸气,其薄弱势必影响到剧中力图展现的江湖险恶情境的深度建构。我觉得应该重新考虑曹少钦第一段戏中的马舞表演,不妨可以借鉴《艳阳楼》中那段已成经典的高登的趟马程式,既可强调人物显赫的统领地位,又增添了角色表演的艺术观赏性。 作为一部表现武侠内容的海派京剧,《新龙门客栈》的武戏表演自然是观众们特别期待的。观目前版本的演出,武打场面尚未达到人们希望看到的精彩程度,造成这一状况的主要原因是角色间具有抗衡性质的武打设计与整体性武戏场面缺少艺术表现的“层次感”。建议创作者参考京剧传统戏中“敌”“我”双方战将对打和群体开打的“渐进式”套路,以多层次的开打表演引出周淮安与曹少钦最终决战的武戏高潮。这两个角色的扮演者傅希如和王玺龙都是武功造诣很高的优秀演员,如何有效地发挥他们的表演优势以增强武戏的“戏份”,尚有进一步探讨和再创排的空间,尤其是长靠武生王玺龙的扎实功底和他具有的“大武生”气派与风范,理应在剧中的武戏表演中得到更充分的展示。 京剧《新龙门客栈》的创作与演出是一次很有意义的探索,它不仅让人看到了体现当代京剧人创作思维与艺术追求的戏剧成果,也让我们静心再思海派京剧艺术传承与创新的社会意义和人文价值。我和广大戏迷一样,期待这部有格局、有追求的海派京剧大戏能够早日成为戏曲艺术的精品。
    2019年05月11日 10:21
  • 天津市评剧白派剧团2019年5月11日演出《韩玉娘》
    《韩玉娘》(青年演出团) 演出剧团:天津市评剧白派剧团 演出时长:140分钟 剧目票价:30起 售票状态:正在售票 演出地点:天津海河剧院-天津市南开区卫津南路8号 剧目简介:《韩玉娘》剧情简介 北宋末年,金兵南犯,宋室百姓韩玉娘、程鹏举被掳金邦,做了张万户家的奴仆。张万户强迫他们成婚,婚后玉娘劝丈夫回国报效,遭程的猜疑,向张万户告发,导致玉娘身受酷刑,经牙婆之手辗转卖与瞿姓老汉为妾,玉娘宁愿入空门为尼,也不愿与瞿圆房。县宰之子胡为觊觎玉娘美貌与昙花庵老尼密谋欲将玉娘霸占,玉娘察觉逃离,路遇孤老太太李氏收为义女,二人相依为命。 程鹏举逃出金邦回国报效,对当年鲁莽行为一直愧疚万分,十几年苦苦寻觅玉娘,当获悉其下落后赶去团聚时,玉娘已病入膏肓,抱憾而亡。 《韩玉娘》剧情简介:北宋末年,金兵南犯,宋室百姓韩玉娘、程鹏举被掳金邦,做了张万户家的奴仆。张万户强迫他们成婚,婚后玉娘劝丈夫回国报效,遭程的猜疑,向张万户告发,导致玉娘身受酷刑,经牙婆之手辗转卖与瞿姓老汉为妾,玉娘宁愿入空门为尼,也不愿与瞿圆房。县宰之子胡为觊觎玉娘美貌与昙花庵老尼密谋欲将玉娘霸占,玉娘察觉逃离,路遇孤老太太李氏收为义女,二人相依为命。 程鹏举逃出金邦回国报效,对当年鲁莽行为一直愧疚万分,十几年苦苦寻觅玉娘,当获悉其下落后赶去团聚时,玉娘已病入膏肓,抱憾而亡。 天津海河剧院2019-05-11 14:00 演员表: 韩玉娘——刘 滢 饰 程鹏举——魏天泽 饰 李 氏——王泓懿 饰 胡 为——郭富城 饰 何 氏——刘思雨 饰 赵 寻——赵奕朴 饰 老 尼——党 靓 饰 家 院——张笑境 饰 小院子——高欢饰 饰
    2019年05月09日 14:57
  • 《故宫里的大怪兽之吻兽使命》全国巡演启幕
    由北京市演出有限责任公司制作出品的家庭音乐剧《故宫里的大怪兽之吻兽使命》日前走出京城,开启盛大的全国巡演之旅。这部以中国传统文化题材为依托、探讨中国式亲子关系的家庭音乐剧,自2018年7月首演以来,收获了无数家长与孩子的青睐。它用音乐的欢快外衣,包裹着故宫故事的神秘探险、传统文化的深入浅出,传达出亲子沟通的平凡真谛。 作为首部故宫童话,原着《故宫里的大怪兽》由冰心儿童文学奖获得者、知名童话作家常怡打造,自2015年首度出版以来,已名列各大畅销童书与优秀童书榜单,也赢得了百万“小兽丝”与家长们的认可与喜爱。 家庭音乐剧《故宫里的大怪兽之吻兽使命》剧照 《故宫里的大怪兽之吻兽使命》作为该系列的首部舞台剧改编作品,讲述了一群百年来日夜守卫故宫却被人类所遗忘的神兽们的故事。正当他们心灰意冷准备离开的时候,女孩李小雨在故宫捡到一只神奇的宝石耳环,误打误撞闯入了神兽们的世界,并和龙的儿子吻兽成为了朋友,一场难以置信的奇幻之旅也就此展开。 为保障故事的原汁原味,原着作者常怡亲自操刀此次音乐剧版本的剧本创作,而剧组也不惜重金,将72万平方米的故宫搬进剧场,用剧场内外一体化的设计,让观众在走入剧场的瞬间便能够全身心沉浸在紫禁城的华美壮观之中。全剧更巧妙融合了多媒体创作,为观众营造了一场视觉盛宴。 亲子关系是《故宫里的大怪兽之吻兽使命》关注的重要话题。作为威严强大的龙的儿子,曾经的吻兽充满了胆怯与不自信。后来他在李小雨的鼓励下,逐渐坚定起了寻找自我的决心,而在危急时刻龙的挺身而出,也让吻兽最终理解了父亲的爱。这份充满东方意味的父子关系,无论对孩子或是家长,都带来了一份思考与成长。不少家长对古色古香的舞台设计赞许有加,称作品能让孩子在欢笑中多元化地获取历史知识。不光孩子喜欢,很多家长也被这部作品感动得热泪盈眶,表示“这是近年来最适合中国孩子观看的本土原创音乐剧” 。 《故宫里的大怪兽之吻兽使命》全国巡演,率先于“五一”假期在天津拉开序幕,并将于“六一”儿童节在北京天桥艺术中心大剧场再度上演。它还将陆续奔赴德州、上海、邯郸、珠海、广州、中山、佛山、柳州、哈尔滨、深圳、福州、南昌、南京、南通等地。
    2019年05月09日 14:53
  • 原创杂技剧《战上海》在沪首演
    5月7日晚,演员在杂技剧《战上海》中表演。 当日,上海杂技团、上海市马戏学校联合创排的红色主题杂技剧《战上海》在上海美琪大戏院首演。该剧是海派杂技与戏剧深度融合的一次创新,综合声、光、电等现代舞美科技的运用,让观众体验到特殊的舞台艺术效果。
    2019年05月08日 13:58
  • 古典诗词与传统戏曲碰撞出别样火花
    4月23日“世界读书日”,上海图书馆联手“克勒门”文化沙龙推出“上图之夜”阅读推广活动,特邀王佩瑜等戏曲演员,用京昆字韵吟唱古典诗词,为读者带来全新的阅读体验;同时再现梅兰芳出访演出的片段,以纪念其访问日本演出以及《品梅记》出版100周年。文学经典与传统戏曲两大优秀传统文化在这里水乳交融,江南文化的韵味扑面而来。 京剧演员蔡筱莹展演《天女散花》。 “蒹葭苍苍,白露为霜。所谓伊人,在水一方。”“上图之夜”在《诗经·蒹葭》吟诵中拉开帷幕,王佩瑜用京剧湖广音、中州韵咏唱中国最古老的诗歌,似是呼唤“伊人”。这“伊人”就是京剧大师梅兰芳。今年正值梅兰芳访问日本演出以及《品梅记》出版100周年纪念。在本次阅读推广活动中,上海图书馆新入藏的1919年首版《品梅记》带领读者穿梭回100年前京剧首次走出国门的那一天。由王佩瑜领衔的戏曲演员们则由《品梅记》展开,再现了百年前梅兰芳访日演出的经典选段《天女散花》《汾河湾》等,让读者重温优秀传统文化在世界发扬传承的历史。 除了用京腔咏唱的《诗经·蒹葭》,观众还听到用昆韵吟诵的李商隐《无题》以及用方言古音重现的杜甫名句。正如华东师范大学江南文化与文学研究中心主任胡晓明现场讲析的,不同的形式只为一个目的,让更多人发现诗词的美,领略优秀传统文化的魅力和江南文化的丰富内涵,并从中获得新知,与新时代的美好生活相连接。上海图书馆馆长陈超说,“上图之夜”的推出,意在搭建一个平台,吸引各种文化样式走进来,让更多人爱阅读。
    2019年05月08日 13:40
  • “梅韵流芳”梅派折子戏专场启幕
    国家大剧院6日宣布,其特别策划的“艺海遗珠”非遗戏曲展演即将开幕,届时国内五家戏曲院团体将在5台10场演出中集中展示非遗戏曲的非凡魅力。 早在2001年,被誉为“百戏之祖”的昆曲,就被联合国教科文组织列入“人类口述与非物质文化遗产代表作”。国粹京剧也在2010年被列入“世界非物质文化遗产代表作名录”。 此次展演将于5月22日由“梅韵流芳”梅派折子戏专场启幕,届时,梅派传人汇聚一堂展现梅韵芳华,共同纪念梅兰芳大师诞辰125周年。 6月间,北方昆曲剧院将上演昆曲《牧羊记·望乡》,昆曲名家袁国良、翁佳慧领衔演绎汉代苏武正气凛然、拒不变节的不朽传奇。其后,北京市河北梆子剧团演出《打金枝》,国家一级演员郭砚夫、杨秀琴、金民合等实力演绎唐朝驸马怒打金枝的经典故事。 8月,云南省京剧院将上演京昆《牡丹亭》,该剧由昆曲名家沈世华担任戏曲指导,戏曲名家钮骠担任戏曲顾问,沈世华亲授李静、朱福,以“情”为主题,重述汤显祖笔下“天下第一有情人”杜丽娘与柳梦梅因梦生情的绝世爱恋。 此次“艺海遗珠”非遗戏曲展演,不仅有京剧、昆曲这样的常演剧目安排,还将广纳鲜见于北京舞台的地方非遗戏曲剧种,例如2006年经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录的石家庄丝弦。 石家庄丝弦又名弦腔,是河北省地方传统戏剧,在明清俗曲的基础上衍变而来,唱腔独特,激越悠扬,慷慨奔放。展演中,石家庄市丝弦剧团将分别演出《空印盒》与《大唐魏徵》。 据介绍,“艺海遗珠”非遗戏曲展演是2019年国家大剧院特别策划的全新戏曲类演出板块,旨在将独具代表性的非物质文化遗产中的戏曲艺术,集中在国家大剧院这座“水上明珠”的舞台上进行全方位展演,对中国非遗戏曲艺术进行挖掘和推广,面向更多观众展示非遗戏曲的独特魅力。
    2019年05月08日 13:37
  • 江南好戏随春风吹遍大江南北 《临川四梦》圆满落幕
    这个五一小长假,上海昆剧团为香港又添一处新的“人山人海”风景线。前晚,剧团创排的《临川四梦》在香港新建成的西九文化区戏曲中心大剧院圆满谢幕。这也标志着剧团今年的粤港澳巡演正式收官。过去文艺人的朋友圈热衷拍谢幕,上海戏曲艺术中心总裁、上海昆剧团团长谷好好在一路巡演中,却用人潮涌动的观众席“刷屏”。她有理由这样骄傲——一度无戏可演、无人可传的昆曲人,用实实在在的票房与影响力,印证传统戏曲在今天的繁荣盛景。 而前天下午在上海城市剧院上演的京剧《七侠五义》,此前在安徽省安庆市“燃爆”剧场,继该剧去年亮相武汉后,外地戏迷再一次感受到“海派连台本”京剧魅力。一路收获巡演惊喜的还有上海越剧院青年演员,这支平均年龄不到35岁的巡演团队,用《素女与魃》与《梁山伯与祝英台》一新创一经典的组合赢得甘肃戏迷的热烈反响。下半年密集的巡演日程让越剧院不得不将一些商演订单推到明年。而上海评弹团的原创中篇评弹《林徽因》,已经在巡演中走遍了23个省37个城市。 戏曲市场迎来春天,上海新枝早发。乘着国家层面长三角一体化、粤港澳大湾区建设、“一带一路”倡议的东风,上海戏曲院团把握机遇,不仅版图一再扩大、场次收入逐年增长,团队也日趋年轻化、剧目更多元化。市场活了,观众多了,剧种的传播力由此凸显。 上海戏曲人从“收复失地”到“全面开花” 过去巡演,主要以文化交流、剧种普及为主,而近些年,上海戏曲人在深耕本土市场,培养一批忠实受众的同时,也在各地巡演中有了实实在在的收益和影响力。单是近两年时间,北至内蒙古,南至海南,东北至黑龙江,西北至甘肃,东南至福建,西南至贵州,都留下了上海戏曲人的足迹。 效果如何,用一组数字说话。谷好好介绍,上海昆剧团2013年演出112场,收入189万元;2018年演出289场,收入1068万。六年时间剧团演出场次增长了2.6倍,演出收入增长了5.6倍。单是2017年全本《长生殿》在上海大剧院的四场演出收入,就与2013年全年演出大致相当。负责演出洽谈的工作人员电话响个不停——一再演出之地的“熟客”催着新剧目;还没踏足之地则盼着经典戏。 “如果说去年我们用《红楼梦》是收复市场‘失地’,今年则是‘开疆拓土’。”上海越剧院院长梁弘钧介绍,这次开启的西北行除了剧团15年前曾踏足的甘肃兰州,又将巡演版图向西拓展1000多公里,前往玉门市上演越剧经典《梁山伯与祝英台》。演员尚未启程,官方微信后台就收到甘肃戏迷的热情留言,甚至青海、新疆等地的越剧迷也加入“盼戏”队伍;兰州演出当天,兰州越艺社、爱越小站兰州站等当地越剧迷组织不仅到场看戏,还自发为剧团送上花篮。原来,上世纪50年代,甘肃兰州和酒泉就有了上海西迁而去的春光越剧团(后改称兰州越剧团)和永乐越剧团(后改称酒泉市越剧团)。两个剧团在周边地区广泛演出,在张掖、酒泉、白银、敦煌、玉门等河西走廊地区都留下足迹,他们甚至还将剧种的传播延伸至开封、郑州、洛阳、西安等地,产生广泛的影响。如今两个剧团虽不复存在,可当地越剧爱好者却仍然活跃。 “开疆拓土”不只是地域上的。相比去年的《红楼梦》巡演,越剧院的新创剧目、复排剧目也排上巡演日程,并意外收获青年观众的喜爱。甘肃兰州金城剧院上演《素女与魃》时,梁弘钧特别注意了一下观众组成,年轻观众超过总数的一半,其中不少还是20岁出头的年轻女孩。院团趁热打铁,今年下半年,纪念越剧男女合演70周年的《祥林嫂》、经典越剧《花中君子》也将纳入巡演。梁弘钧对此很兴奋:“保守估计,今年上越全国商演有望超过90场,占到剧院总场次的45%,其商演收入将占到总收入的六成以上。” 长三角一体化、粤港澳大湾区建设等也成为机遇 如果说传统文化的复苏为上海戏曲人提供了全面开花的丰厚土壤,长三角一体化、粤港澳大湾区建设等国家战略和“一带一路”倡议则为文艺院团提供了实实在在的机遇。 面对密集的商演邀约,上昆在剧团班底之上,响应“长三角一体化”的号召,陆续推出沪浙苏三地联动版《十五贯》《牡丹亭》《雷峰塔》等剧,带动长三角兄弟院团一同“走出去”。此次策划的“粤港澳”之行,则是为响应国家“粤港澳大湾区建设”,用经典剧目加深广州、深圳、香港、澳门四地的中华文化影响力。其中,上昆在香港的演出场所——西九文化区戏曲中心更是《粤港澳大湾区发展规划纲要》中提到的重点文化项目。单是这一新建文化地标,上昆就将陆续演出三次。巡演之外,剧目合作也已经提上日程——首次携手香港八和会馆推出昆粤合演武戏经典《白蛇传》。京昆合演常有,而昆曲与粤剧的同台在历史上也是第一次。届时该剧不仅将在今年中国上海国际艺术节亮相,还将开启又一轮粤港澳大湾区巡演,目前深圳、惠州、东莞几站已在商定之中。香港八和会馆主席、着名演员汪明荃不仅来“捧场”看戏,还与谷好好约定合演《白蛇传》首演时,争取专程来沪见证昆粤的历史性牵手。 “一带一路”国际合作在各领域不断深入的当下,上海戏曲人的巡演版图也有了沿线国家的标记,不少戏曲经典纷纷登上当地主流艺术节、顶尖剧院的平台:上昆《牡丹亭》亮相过捷克布拉格之春国际音乐节、俄罗斯索契奥林匹克中心;上越新创沉浸式越剧《再生·缘》参演过罗马尼亚锡比乌国际戏剧节。 谷好好说:“国家纳入大发展的区域,在经济、科技快速发展同时,一定不能少了中华优秀传统文化的身影,而这正是传统戏曲人应当把握、参与的大好机遇。我们不仅要用巡演抓住市场,用合作促进不同艺术的交流发展,更要用戏曲将文化自信之声传递得更广更远。”
    2019年05月08日 13:35
  • 北京人艺再演易卜生《玩偶之家》
    值五四运动100周年之际,由《新青年》引入中国的易卜生名剧《玩偶之家》,7日至12日再度被北京人艺搬上首都剧场舞台。 《玩偶之家》是挪威戏剧家亨利克·易卜生创作于1879年的一部社会问题剧,通过女主人公娜拉意识到丈夫海尔茂自私后出走的故事,展现了女性的觉醒以及理想与现实的差距,对中国话剧的诞生产生了巨大影响。 2018年,值易卜生190周年诞辰之际,北京人艺首次将其搬上舞台,由韩清、丛林联合导演,孙茜、李洪涛领衔主演,在本轮演出,娜拉的丈夫海尔茂将由李洪涛与邹健分别饰演。 韩清说,这个版本的排演重点在“人”上下功夫,娜拉首先是一个“人”,之后才是“女人”。“对于人性的探寻,让我们可以穿越上百年,找到与作者笔下人物的共鸣。” “这部作品有一些内容与现在的时代、现在的中国依然贴合,是我们的观众能够理解的。”饰演女主角娜拉的孙茜说,“无论中国还是欧洲,过去的女性都很难脱离依附实现自我价值。娜拉在100多年前曾给中国带来了这么大的力量,这种人性的解放在今天仍然很有感染力。”
    2019年05月08日 13:30
  • 《国魂》在中央党校上演
    “老邓,这是我的底线,你听听这盖革计数器,辐射不小了,你不能再靠近了。”二机部副部长赵敬璞几近哽咽。“让年轻人都撤出来吧,我得进去。”邓稼先坚定地走向前方…… 舞台上,实验中的氢弹没有爆炸,为查明原因,邓稼先冒着生命危险要找回氢弹;舞台下,满场观众噙着泪水观看…… 日前,由四川省绵阳市与四川文化艺术学院共同打造、以弘扬传承“两弹一星”精神为主旨的话剧《国魂》在北京中央党校精彩上演。近2000名中央党校当期在训学员观演,共同回顾峥嵘岁月,感受“两弹一星”精神的深刻内涵。 这是一部根据史实改编的话剧。众多“老戏骨”的精彩表演,全面、真实地再现了研制“两弹一星”这一段鲜为人知的历史,反映了老一辈科学家无私奉献、自力更生、艰苦奋斗、勇于登攀的精神。 此前,该话剧已在四川省内多次公演。现已85岁、因三线建设而到四川工作的中国工程院院士张锡祥看过话剧后告诉记者,话剧剧情与他工作的记忆一致,话剧所反映的“两弹一星”精神在今天更具有时代意义,青年一代应该不断继承和发扬这样的精神,为实现中华民族伟大复兴而不懈奋斗。 回家——他们有共同的信念 开幕,光起。邓稼先、任新民、郭永怀、孙家栋、于敏等科学家提着行李,各自走在赶往港口、飞机场、火车站的路上。他们在不同的国度,都得到了同一个消息——10月1日下午3时,北京数十万群众齐集天安门广场,毛泽东在天安门城楼上向世界宣告:中华人民共和国成立了! 众多科学家意识到,为国家奉献的好时候到了。回忆起当年的情形,科学家们齐声说:“那一年,我们只有一个信念,那就是回家!” 为了回家,钱学森在美国被软禁了整整五年。为了回家,郭永怀烧掉了自己数年的研究数据手稿……为了回家,科学家们可谓不惜代价。 郭永怀回国之后,经常往返于荒凉的戈壁、幽深的峡谷、潮湿的山洞……但他从不后悔:“用我的毕生所学报效祖国,是我最大的心愿!” 郭永怀的饰演者孔斐说,这句话不仅是郭永怀的心声,也是缔造“两弹一星”的众多科学家的心声。 四川人民艺术剧院艺术总监、邓稼先饰演者贾建立说,很多科学家回国的时候都不知道,自己将参与到多么伟大的一项事业中来,但他们清楚地知道,自己将失去优渥的生活。然而,他们依然义无反顾,怀着责任与期待,回到了百废待兴的祖国。他们的爱国精神,值得我们永远学习、继承和发扬。 奉献——他们是国之魂 “你要调到哪里呢?”“不能说。” “干什么工作?”“不知道,也不能说。” 一个夏夜,邓稼先对妻子许鹿希说,他今后恐怕照顾不了这个家了,他的生命就献给未来的工作了,做好了这件事,他这一生就过得很有意义,就是为它死了也值得。 邓稼先和他的朋友们,在跟时间赛跑,他们不想让中国的核武器事业被别人落下太多。他奔忙在戈壁、沙漠、深山,在办公室、在试验场,他操心的事情很多,作息毫无规律,他无所畏惧,直面任何困难甚至核辐射,最后献出了宝贵的生命。 “很多次体检,他都错过了,也许是故意错过的吧。”具体负责领导“两弹一星”研制工作的张爱萍沉痛地说。 “叫花子再穷,也得有一根打狗棒!”科学家们为了改变新中国腹背受敌的窘况,奉献了自己的一切。他们隐姓埋名、淡泊名利、无私奉献,用巨大的努力和牺牲、惊人的毅力和速度实现了国防科研事业的战略性突破。 郭永怀在青海的实验中发现一个重要线索,匆忙坐上了夜航回京的班机。飞机在即将抵达北京时突然失控坠毁了。搜救人员发现,郭永怀和他的警卫员紧紧抱在一起,人被烧焦了,他们俩紧紧保护着的公文包却完好无损,里面装着宝贵的数据…… “他们是国之魂!”导演冯佳说,这些科学家用他们的坚持、努力和无私奉献托起了共和国的脊梁,他们是中国精神的造就者,他们的故事和精神有着直指人心的力量。 传承——建功立业新时代 “你们的任务完成了,可‘两弹一星’的任务并没有结束,‘两弹一星’的精神会永远传承。”话剧进入尾声,青年科学家们走上舞台,他们说,“我们会把你们的精神发扬光大,我们,也一定会超过你们!” 话剧内外,“两弹一星”精神都在传承并发扬光大。2017年,绵阳市“两弹一星”干部学院成立,大力弘扬“两弹一星”精神。一批又一批干部群众来此参观学习,老一辈科学家的高尚精神不断激励着年青一代在不同岗位上努力奋斗、勇攀高峰。 冯佳说,《国魂》这部剧的创作,对主创团队来说是一次精神的洗礼,也是对“两弹一星”精神的传承和弘扬。 创作期间,主创团队多次到两弹城采风,穿越时光,感受“两弹一星”科学巨匠们真实的生活、工作场景,更加深入刻画人物形象。话剧《国魂》整场演出始终响彻爱国奋进、勇攀高峰的主旋律,场景壮阔、感情真挚,引起了现场观众的强烈共鸣。 通过话剧,观众不仅看到了科学家为铸国之重器不懈奋斗的场景,也感受到了他们无私奉献、自力更生、艰苦奋斗的崇高品质和家国情怀。舞台上,演员们演得情真意切,故事跌宕,扣人心弦。舞台下,大家静静地观剧,生怕错过一句台词,不时还有人抬手擦泪。 观剧后,观众纷纷表示,话剧《国魂》是一首红色赞歌、时代颂歌,我们一定要不忘初心,牢记使命,立足岗位努力奉献,在新时代建功立业,为实现中华民族伟大复兴的中国梦不懈努力。郭永怀的亲属代表、曾就职于空军某研究所的郭涛表示,该剧生动还原了“两弹元勋”们甘于寂寞、投身伟大事业的情怀,让人更深刻地理解到“两弹一星”精神的历史意义和时代内涵,“两弹一星”精神永不过时。
    2019年05月06日 10:29
  • 台北新剧团携新编京昆大戏开启大陆巡演
    28日晚和29日晚,台北新剧团在石家庄大剧院连续进行了两场演出,分别是新编京昆大戏《清辉朗照》和“新老戏”《赵氏孤儿》。京昆艺术形式的融合、老戏的新结局,令观众耳目一新。 《清辉朗照》演出中,戏曲表演艺术家李宝春一人分饰两角。 主办方供图 摄 2019年3月以来,台北新剧团曾分别到湖南、重庆、北京、上海、山东、天津等地演出,石家庄大剧院是2019春季台北新剧团大陆地区巡回演出的最后一站。 《清辉朗照》演出中,戏曲表演艺术家李宝春一人分饰两角。 主办方供图 摄 《清辉朗照》描述了李清照后半生的故事。演出中,高亢激昂的京剧和缠绵柔美的昆曲在同一空间碰撞,为观众带去了新鲜的剧场体验。 《清辉朗照》融合了京昆艺术形式。 主办方供图 摄 着名戏曲表演艺术家李宝春一人分别饰演李清照的两任丈夫赵明诚和张汝舟,反差之大,十分考验演技。 为什么《清辉朗照》京昆合体?李宝春表示,一是京昆艺术形式比较容易融合,二是发挥京昆特色,使传统中有新意,来烘托剧中人合情、合理的表现。 李宝春祖籍河北霸州,出身戏剧世家。祖父李桂春(小达子)、父亲李少春、母亲侯玉兰,都是戏曲名家。 作为当今台湾地区京剧代表人物,李宝春不断求新求变。2006年他创立了独树一帜的“新老戏”品牌,至今已积累了50多部。 何为“新老戏”?在李宝春看来,所谓“新”就是要用一种新的创意来包装,而“老”就是继承传统的精华,“新老戏”在保证传统中的经典、精华的同时,用一些新的创意来包装。 《赵氏孤儿》演出。 主办方供图 摄 在创作过程中,李宝春总是以戏剧传统为基础,融入时代新意,发挥剧场效果,通过“串折戏”、“以老为新”、“京昆混搭”等方式,突破传统程式,进行“格式化”处理,为老戏注入新的活力,使老戏获得新生。 《赵氏孤儿》被称为“最悲壮的史诗剧”,而在李宝春版的《赵氏孤儿》中,把原来“令人稍微失望”的结局进行了修改,让《赵氏孤儿》不再只是一个久远时代的两个“死板老头”把自己和儿子的性命拿去替死的愚忠故事,而变成人生两难情况下的抉择、实践与交代,圆满了这桩千古悲剧。 《赵氏孤儿》演出。 主办方供图 摄 为让更多的观众了解台湾京剧特色,同时也为让更多的观众对京剧文化产生兴趣,在演出开始之前,台北新剧团团员还在石家庄大剧院进行了一场《京剧演员如何养成》的讲座。通过讲解、演唱和动作示范,揭开京剧演员台下十年功的训练面纱。 “新编剧本好,演员功底厚实,韵白纯正,唱腔优美高亢。”石家庄的一位老戏迷任振贤对演出赞不绝口。他说,演出前还进行了普及京剧知识的讲座,这些都是让高雅艺术走进民众的好举措,“台湾同大陆的艺术交流合作,互助互学对传承发展优秀传统文化有重要意义。”
    2019年05月06日 10:26
  • 50场越剧演出将在“江浙沪闽”地区上演
    6月6日至7月7日,10余家越剧院团编排的约50场越剧演出,将在“江浙沪闽”地区多座城市上演,届时,越剧名家将携越坛青年新秀一同戏韵江南。 “同唱一台戏”越剧大展演已走到第十七个年头。据了解,今年的展演入选了国家艺术基金2018年度资助项目,此次“升级”也让越剧展演更加轻盈。 图为越剧演出。项菁 摄 据悉,此次展演中,演出范围首次扩大至“江浙沪闽”地区,上海越剧院、浙江小百花越剧团、南京市越剧团等10余家越剧院团将轮番上演精彩大戏。除了《红楼梦》《梁祝》等经典戏,《兰亭记》《苏秦》等新编越剧大戏也将亮相。 值得一提的是,为进一步培育和挖掘青年越剧演员,本届展演中,除了越剧名家助阵,29名越坛青年新秀还将上演13台大戏,共同缭绕传统艺术的年轻声音。 “这次竞演不仅是为了促进展演的创新发展,更是为了给年轻演员提供展示自我的平台,彰显越剧新生代的蓬勃朝气和无限魅力。”绍兴越剧艺术发展有限公司总经理裘建平表示,希望竞演能激发更多越剧从艺者和爱好者的热情,让百年越剧之脉生生不息。
    2019年05月06日 10:12
  • 体悟《敦煌女儿》中的人文精神
    历时八年,几次推翻重来,不断修改提升的沪剧《敦煌女儿》将参加2019年在上海举办的第十二届中国艺术节,并角逐“文华大奖”。 “文华大奖”是中华人民共和国文化部主办的专业舞台艺术政府最高奖。2019年5月,第十二届中国艺术节首次落户上海,作为上海参评"文华大奖"的三台大戏之一,上海沪剧院的原创大型沪剧《敦煌女儿》作为上海唯一入选的戏曲剧目,将与来自全国的17台戏曲剧目一起角逐“文华大奖”。 沪剧《敦煌女儿》剧照 根据樊锦诗及几代敦煌人真实故事改编 原创大型沪剧《敦煌女儿》根据敦煌研究院荣誉院长樊锦诗的人生历程改编。用“上海声音”讲述着樊锦诗这位上海女儿五十多年的敦煌守望历程,从而刻画了常书鸿、段文杰等几代莫高窟人坚守大漠、甘于奉献,勇于担当,开拓进取的“莫高精神”。 樊锦诗成长于繁华的上海,却在异常艰苦的戈壁大漠敦煌一呆就是半个多世纪。在敦煌的艰苦岁月中,她始终致力于敦煌遗址的保护和研究,成为国内外享有盛誉的敦煌学者。也是在她的带领下,敦煌研究院全体科研人员在石窟考古、佛教美术、文献研究等很多领域取得了新成果,改变了“敦煌在中国,敦煌学研究在国外”的历史。 八年前,上海沪剧院院长、沪剧表演艺术家茅善玉在报纸上看到了樊锦诗的报道,当时就被她 “守一不移”的精神和对传承民族文化的担当所打动,当即决定把它搬上沪剧舞台。 期间,作品几经修改,甚至经历了一次推倒重来,上海沪剧院最终在去年5月23日试首演推出了此剧。并在边演边改中召开了5次大型专家研讨会,收集了200多份观众调查问卷。主创人员在总结所有领导专家和观众的意见后,对剧本、音乐、舞美先后进行了两次大的修改提高。 茅善玉演樊锦诗 沪剧表演艺术家茅善玉挑战25岁到80岁的年龄跨度 沪剧表演艺术家、中国戏剧梅花奖获得者(二度梅)茅善玉在剧中扮演了青年、中年、老年不同年龄段的樊锦诗,对于这个角色,茅善玉倾尽全力,同时也是对她的一大挑战。在剧中时空交错的场景中,茅善玉一个转身,便从25岁变为80岁, 30秒的时间间隔只能通过形体、唱腔和神态来诠释。 在剧中扮演樊锦诗的茅善玉说,虽然自己在舞台上塑造过很多人物,但演绎一个发生在当下时代的真人真事还是第一次。为了更好的创作,期间,她带着剧团和主创六次来到敦煌,体验生活并考察。 舞台上的茅善玉从青年樊锦诗演到了老年,虽然跨度和挑战都很大,但她也坦言自己很过瘾。为了更好地塑造人物,她始终细心观察樊院长的一举一动,从走路的样子、讲话的姿势,到脸上的笑容,她都努力向本人靠拢。 剧中樊锦诗的主要唱段都是茅善玉本人设计的,根据人物不同的年龄和情境,唱腔中既有沪剧的细腻温婉,又融入了京剧、越剧的唱腔特色。在排演过程中,茅善玉逐渐融入樊锦诗这个人物的灵魂之中:“我是一边设计唱腔,一边流着泪。” 剧中的樊锦诗与常书鸿 拓展地方剧种的当代剧场魅力 作为国家艺术基金及上海文化发展基金会市重大文艺创作资助项目。剧组主创曾多次深入敦煌,接受大漠沙尘的洗礼,体悟一代代敦煌人的精神力量。 剧组云集着名导演张曼君、编剧杨林、资深戏曲作曲家汝金山、国际舞台美术大奖得主刘杏林、灯光设计大师邢辛等多位艺术大家。钱思剑、凌月刚、李建华、王丽君等着名沪剧演员共同出演。 围绕“敦煌情、夫妻情、友情”来提炼日常片段,导演张曼君采用了沪剧很少见的叙事结构和表现方式,时空切换迅速,剧中的人物时常进行着跨时空的谈话。而音乐利用多乐章的结构,强调了沪剧的音乐特性,又增加了歌唱性。 同时,剧中创新了传统沪剧舞台的舞美灯光,舞台上倒梯形的形象符号象征着莫高窟,用光与影的效果打造出敦煌的沙漠与荒丘,整个舞台布置简洁、质朴,这也是极简主义在沪剧舞台上的首次呈现。 张曼君在谈及这部戏的创作时表示:“在现代戏表达上,我们力求能够在当代舞台上,展现更多亮点,扩展一个地方剧种的现代力量。同时在视觉上开拓出一个戏曲在当代剧场的魅力,尽可能把表演艺术作为戏曲艺术最核心价值最大化。在面对沪剧这样面向生活的、基本上是话剧加唱的剧种面前,我们做了中国戏曲更大价值化的探索。” 樊锦诗与茅善玉 最后冲刺仍在不断修改打磨 在2019年四月的最后一次公演中,《敦煌女儿》在保留原有剧情结构的基础上,尝试结合多媒体进行舞台呈现。大漠、壁画、卧佛、禅定佛陀都通过多媒体的在舞台上展现,让观众更直观的看到壁画是如何通过精密的数据完整保存下来,体现樊锦诗在“数字敦煌”上作出巨大贡献。 在剧本上进行了删改,让故事更干净,主线更清晰,更集中表现樊锦诗在敦煌的工作细节。通过小组唱的形式,通过段文杰、常书鸿的介绍,体现了樊锦诗在敦煌工作的价值。 目前,经历了八年创作修改的《敦煌女儿》仍在继续打磨跑完“最后一公里”,在细节上不断完善,力争以最完美的状态呈现在“十二艺节”的舞台上。这也是沪剧人用严谨、真诚的态度对待舞台,向“敦煌人”学习、致敬,也是践行习总书记重要讲话精神,向艺术高峰不断攀登。
    2019年05月05日 17:25
  • 京剧《连环套》“试金石”
    京剧《连环套》因其兼重唱、念、功架、表演,被称作花脸行当的“试金石”,此前已较少见于舞台。作为北京市宣传文化高层次人才培养资助项目,该剧21日晚在北京长安大戏院上演,由尚长荣担任艺术指导,中国戏曲学院教授、京剧花脸演员舒桐领衔主演。 《连环套》是京剧花脸的着名经典剧目,前辈花脸艺术家金少山、郝寿臣、侯喜瑞、裘盛戎、袁世海、景荣庆等均上演此剧目。“坐寨”一折的大段西皮唱段脍炙人口,“盗马”一折的二黄唱腔又是架子花很少用到的,“拜山”一折窦尔墩和黄天霸的念白表演丝丝入扣,而“盗马”的走边、马趟子又极为考验演员的功架和基本功。因其对演员综合能力的要求极高,当下已较少见于舞台。 本次特邀沈阳京剧院武生名家常东饰演黄天霸,中国戏曲学院客座教授吴建平饰演朱光祖,中国戏曲学院及附中的教师团队联合出演。
    2019年04月24日 14:22
  • 藏文化史诗剧《文成公主》助力产业 文化脱贫
    以文成公主入藏和亲为历史背景打造的藏文化大型史诗剧《文成演公主》在拉萨河南岸的慈觉林村上演。自2013年首演以来,这部剧不仅成为传播藏文化的艺术精品,还成为一个精准扶贫项目。 4月20日晚,藏文化史诗剧《文成公主》在拉萨再度开演。 图为剧中演绎的非遗项目藏戏。 据介绍,六年来,该项目通过产业扶贫、文化扶贫的方式,有效带动区域经济全面脱贫。数据显示,自2013年首演以来,这部剧已完成演出逾千场,接待观众210万余人次,累计收入7.7亿元(人民币,下同),带动了当地大批农牧民就业。 目前《文成公主》全剧有800多名演员参与演出,其中95%为当地农牧民,他们白天在外务工务农,晚上参与演出,可实现月增收三四千元。此外,项目还为村民提供保安保洁、服务接待、行政后勤等百余个就业岗位。截至目前已累计解决就业4000余人次,帮助500多名建档立卡贫困群众脱贫,为900余名大中专返乡学生提供了就业岗位。 图为剧中参演的“演员”牦牛。 图为剧中牧民赶着牦牛和羊群缓缓走过。 图为当地民众参与演出。 慈觉林村村民次吉是该剧的一名普通演员,在戏里要担任侍女、打阿嘎等多个角色。次吉说,她们参演《文成公主》都是兼职,白天上班、干活,晚上在家门口演出,一个月收入3000元,当演员已经成了家里的主要收入。 图为演出结束后观众与演职人员合影留念。 《文成公主》相关文创产品吸引游客驻足观看。 《文成公主》演绎了千余年前唐朝文成公主万里跋涉、历经艰辛进藏的过程。该剧目前是中国海拔最高的藏文化史诗剧,该剧综合运用大唐歌舞和西藏流传久远的藏舞、藏戏、佛号念唱等艺术形式,将人工舞台结合自然山川,运用现代手段呈现数十种非物质文化遗产。据了解,其中很多场景都是实景演出。比如在山坡上飞奔的马,牧民赶着牦牛和羊群缓缓走过等。除了农牧民参演有收入,这些牛羊马当“演员”也有工资。 《文成公主》相关文创产品吸引游客驻足观看。 据悉,2019年,《文成公主》项目还将重点接收“墨竹工卡易地搬迁文创园安置点”的贫困群众,通过扶智扶志、就业创业的方式,真正实现易地搬迁贫困户“搬得出、稳得住、能致富”。
    2019年04月24日 14:15
  • “空的空间”与戏剧的技艺
    学戏剧应该从自我出发还是从技艺开始?英国大导演彼得·布鲁克有个着名的戏剧定义:“我可以选取任何一个空间,称它为空的舞台。一个人在别人的注视下走过这个空间,这就足以构成一幕戏剧了……”很多习惯了豪华舞美的戏剧人显然不屑于理会这么寒碜的戏剧定义,而不少喜欢的人又以为,布鲁克的《空的空间》告诉我们,戏剧不需要任何规则,怎么玩都行。 “空的空间”乍一听跟中国戏曲很像。《牡丹亭》里杜丽娘就常一个人在台上唱半天,《拾玉镯》里孙玉娇独自无实物表演喂鸡,也只要一个空舞台。但戏曲有歌有舞,王国维的定义是“戏曲者,谓以歌舞演故事也。”而布鲁克并没强调歌舞及故事。如果没有歌舞形成的气场来充实戏曲的空舞台,就一个人“走过”,能算戏剧吗?事实上绝大多数戏剧都不会这么简单。 话剧最基本的“分子”是舞台上两个人的遭遇 要准确理解布鲁克的定义必须了解其语境。《空的空间》写于1968年,很多剧团走向社区,踏进公园,任何地方都能演戏。布鲁克还带剧团去了非洲和中东的农村——那里就没有专做剧场的房子,“空的空间”这一概念应时而生。非洲和中东在西方人带去话剧之前,只有传统的歌舞和说唱——也就是中文的曲艺。西方的艺术分类不同于中国,没有一个和音乐、舞蹈、戏剧并列的类别叫“曲艺”。因此布鲁克认为台上一个人就足以构成戏剧,而在我们眼里那是曲艺,或者是讲演。在中文语境中,一个人的“行为艺术”更与戏剧无关。事实上布鲁克这定义就是在西方也是极而言之,后来他在《敞开的门》一书中就对以前的矫枉过正进行了反思: 在1968年,我们见识过这么一些人:因为不喜欢太多的“僵化戏剧”,他们理直气壮地坚持“人生就是戏剧”,因此,什么艺术、技艺、结构等等全都靠边站去,“到处都是戏剧,我们就生活在戏剧中,”他们说:“人人都是演员,在什么人面前做什么事都行,什么都是戏剧。” 如果咱们到戏剧里去寻找生活,可戏剧里的生活却和戏剧外的生活没什么区别,那么戏剧的存在就毫无意义了,也就没必要去搞戏剧了。……戏剧中的生活更有可读性也更紧张,因为它更集中;要对时间和空间进行压缩,创造出集中的效果。 要让戏剧比生活更有可读性,台上就至少要两个人:“戏剧开始于两个人相见,如果一个人站起来,另一个人看着他,这就已经开始了。如果要发展下去的话,就还需要第三个人,来和第一个人发生遭遇。这样就活起来了,还可以不断地发展下去——但一开始的三个要素是最基本的。” 所以,话剧最基本的“分子”是舞台上两个人的遭遇——最早的话剧是希腊悲剧,就只有两个说话的演员,用换面具来扮演不同角色。人少剧情不能太复杂,就放进极残酷的冲突,如俄狄浦斯弑父娶母、美狄亚杀子等,只有这样才能在空荡荡的舞台上形成足够的气场,吸引大量观众来看。亚里士多德说:“只有当亲属之间发生苦难事件时才行,例如弟兄对弟兄、儿子对父亲、母亲对儿子或儿子对母亲施行杀害或企图杀害,或做这类的事——这些事件才是诗人所应追求的。”这在中国人看来是匪夷所思的——那些杀害家人的并非反面人物,而是有缺点的悲剧英雄。比起靠残酷剧情抓人的早期话剧,戏曲的“可读性”要弱一点,但有更高的“可看性”,那就是“无动不舞”的肢体动作;此外还有“可听性”——“无声不歌”。如果也加上点可读性高的剧情冲突,戏曲的吸引力就更大了,但一般来说,戏曲并不需要希腊悲剧那样杀害家人的残忍冲突。 遭遇的吸引力来自日常生活中不易看到的戏剧张力 中国引进话剧已经一百多年,就在这一个多世纪里,西方也发展了“以歌舞演故事”的音乐剧,现在市场规模还超过了话剧,就像中国的戏曲演出多于话剧一样。西方的音乐剧显然不是从中国引进的,但和戏曲有不少相通之处,比话剧更注重陶冶情操、抚慰人心。无论话剧、戏曲、音乐剧,戏剧的共同点是通过展现人与人的遭遇来吸引同时在场的观众群体。要做到这一点,既需要艺术家独特的天赋与创意,也需要用工匠精神勤学苦练习得的技艺,绝不是一个人随便走上台就能做好的。即便是看似普通的一段家人对话,也要说得“有戏”。 翻开经典话剧《雷雨》,一开头就是鲁贵和四凤的父女对话: 父:四凤…四凤!听见没有? 女:听见了。 父:这孩子!回头你妈来,告诉她,你有许多钱啦!工钱,赏钱…… 女:您不都要走了么?喝了!赌了! 父:你急什么?我不跟你要钱。喂—大少爷不是老塞给你钱花么? 女:爸!您别又穷疯了,胡说乱道的。 几行字交代了很多信息,最重要的是每句话都充满戏剧行动——不仅暗示着外部动作,更主要的是内部行动,也就是角色的心理动机——在剧本的规定情境中,你来干嘛?鲁贵的内部行动很明显:向女儿要钱;四凤的内部行动还不止一个:拒绝父亲,否认她与大少爷的关系,还要规劝父亲戒酒戒赌。曹禺高超的剧作技巧是用生活化的语言展示性格、激发悬念。现实中人人都有要跟人讨东西的时候,但一般人极少会像鲁贵和四凤那样说话。比起日常生活,戏剧人物有明确的性格设定,其内部行动和外部的表情和肢体动作结合起来,总会遇到障碍;因为几个角色的行动交织在一起,构成了冲突。剧作家精心推敲的台词能使戏剧冲突一步步发展,造成悬念,吸引观众看下去。 再看一段戏曲中的家人对话,《四郎探母》里铁镜公主拜见母亲萧太后: 女:适才离了皇宫院,见了母后把驾参。 母:我儿不在皇宫院,来到银安为哪般? 女:儿在皇宫心闷倦,特地前来问娘安。 母:我儿说话礼太谦,母女何需常问安? 形式上唱词都押韵,这是戏曲的特色,但更重要的还是内容:女儿要向母亲求一样东西——和《雷雨》里父亲跟女儿要钱正相反,但用了同样的戏剧技法。有求于人但不能直说,只能绕着弯子来讲,聪明的观众听出话里有话,就知道这里有“戏”了。铁镜公主要借出关用的令箭,因为她答应了丈夫杨四郎,让他溜出关去与母亲佘太君见一面;这事绝不能让萧太后知道,就撒谎说是小孩要玩,利用母亲疼爱外孙的心理来骗令箭。像这样有潜台词的对话就是不唱只说也会有戏剧张力,但因女儿对母后撒谎的尺度比较大,唱更合适,也更有喜剧色彩。 把戏剧张力体现在舞台上,需要刻苦学习规范和技艺 剧作就是这样来营造日常生活中不易看到的戏剧张力的,接下来还要演员把它体现在舞台上。很多人喜欢引用斯坦尼斯拉夫斯基的话,“表演应从自我出发”,这句话吸引了很多追求自我实现的人来参与戏剧。演戏是一种直接体验人生的艺术手段——在剧作的规定情境中体验别人的人生,从而更好地理解、认识自己;但也有些人误解了斯坦尼,以为演戏只要根据自我任意发挥,无需刻苦学习规范和技艺,那是演不好戏的。 斯坦尼要求演员仔细研读剧本,找准角色的行动线,再到自我中寻找角色的种子,让它逐渐生长起来。这对于追求真实的影视剧表演最重要,所需的时间也最长,是表演训练的“高级班”。而学表演的“初级班”大多还是从基本功起步更有效,包括“声台形表”的前三步——声音、台词、形体。梅耶荷德发明了一套和他老师斯坦尼相反的方法,不但适合他所探索的具有强烈风格化特色的戏剧,也刚好适合表演的初级班:由外到内,通过反复练习角色的形体和台词,逐步找到内心的感觉。学戏曲大多是用的这种方法。 亚里士多德的《诗学》不但归纳了戏剧的本质,还指出了学习戏剧的最佳入门方法:“人从孩提的时候起就有模仿的本能(人和禽兽的分别之一,就在于人最善于模仿,他们最初的知识就是从模仿得来的),人对于模仿的作品总是感到快感。”这对戏剧和学戏剧都是经典之论,无论话剧还是戏曲。从模仿入手学习台词/唱词和形体,再过渡到排练,就能一步步学习通过角色进行表达和交流,学习从无到有在本来空空的舞台上创造出一个新的世界。这就是我们应该从布鲁克的《空的空间》中学到的,也是普及戏剧教育的必由之路。
    2019年04月18日 11:35
  • 昆曲《寻梦》《琴挑》《女弹》梅兰芳大剧院演出
    昆曲《寻梦》《琴挑》《女弹》 演出剧场:梅兰芳大剧院 演出时间:2019/4/15 19:30:00 演出票价:300,200,100,50元 演出介绍 昆曲《牡丹亭·寻梦》剧情简介 杜丽娘牵挂梦中之情,背着春香,悄向花园深处去寻梦。梦中的一草一木是那样的温馨;而现实中的一亭一台又是如此的荒凉。她顷刻间寻到了,瞬间又失落了。面对着大梅树,她暗暗地立下誓愿:死后得葬于这梅树之下,幸也。 主演:顾卫英 丁珂 昆曲《玉簪记·琴挑》剧情简介 《玉簪记》是明代戏曲作家、着名藏书家高濂所做传奇剧本。《琴挑》系原作的第十六出《寄弄》。本事见于《古今女史》和明人杂剧《张于湖误宿女贞观记》。被誉为传统的十大喜剧之一。主要是脱胎于元代大戏剧家关汉卿的《萱草堂玉簪记》,并在明无名氏杂剧《张于湖误宿女贞观》和明《燕居笔记》中的《张于湖宿女贞观》的基础上改编而成。 北宋末年,书生潘必正赴京赶考不中,只得到女贞观继续攻读,以备来年继续参加科考。某晚,他在女贞观中散步,恰好遇上美丽尼姑陈妙常抚琴,两相交谈,甚投机缘,相见恨晚。潘必正借琴抒发自己对陈妙常的爱慕之情,陈妙常假意生气,却真正是与潘两情相悦。 主演:顾卫英 翁佳慧 昆曲《货郎担·女弹》剧情简介 长安秀才李彦和娶妓张玉娥为妾。张与人私通卷逃,复与奸夫暗害彦和父子,致使全家失散。幼子春郎与奶娘张三姑不知去向。十三年后,三姑与彦和相遇,二人以说唱货郎儿糊口。一日,来到馆驿,上差大人李春郎点唱小曲,三姑看春郎面熟,便将李家父子被难之事弹唱出来。经辨识,父子团圆,并惩办了张玉娥和奸夫。 主演:顾卫英 刘 恒 许乃强 等。
    2019年04月15日 17:53
  • 《关中晓月》:古老秦腔的现代提升
    大型秦腔历史剧、国家艺术基金资助项目《关中晓月》在北京民族文化宫剧场演出。这部戏由基层秦腔院团——周至县剧团为班底,两位“梅花奖”得主齐爱云、侯红琴联袂主演。演出中剧场座无虚席,热烈的现场气氛证实了不俗的实力。演出时,中央电视台录制了空中剧院节目。 本号今刊发《中国演员》杂志今年第二期刊登的评论文章——关中晓月:古老秦腔的现代提升。本文是由中国艺术研究院戏曲研究所所长王馗撰写的。 当《关中晓月》被秦腔名家齐爱云与周至县剧团合作搬上舞台之时,戏曲观众对基层院团的演出印象大为改变。周至县秦腔剧团借助戏曲界优秀艺术家的领衔创作,组合重量级的艺术名家如艺术指导王晓鹰、剧作家郑怀兴、导演何红星等共同合作,力争提升演员表演水准,夯实院团表演实力,拓展剧种艺术格局,这是在国家大力扶持戏曲艺术的进程中,涌现出的最切实的艺术自觉建设,值得戏曲界、文化界深度关注。 当然,县级剧团的班底与戏曲名家的合作,最终实现的是古老秦腔在当代创作中的现代提升。戏曲现代化是永远的艺术命题,最重要的是在剧目创作中真正赋予现代思想,让戏曲的传统文化属性与时代审美标准能够顺利相通。新编现代秦腔《关中晓月》成功地做出了示范性的创造突破。该剧立足在“晚清国运已颓萎,岁逢庚子局势危”的特定社会转型期,剧中的商英还保持着历史原型作为秦商女杰的基本定位,剧中的慈禧还是那个王朝末代不忘骄奢的贵族女性,剧中的岑春煊、李莲英以及存在于谈论中的于右任等人,都还附带着时代更迭时特定的个性特征。但是就在忠于历史真实的前提下,剧作聚焦于关学大家刘古愚的生死转机,从商英这个小女子内心激发的义举出发,将她的情感变迁嵌入中国近代大历史更替变化的背景下,展示历史交替时期文化命脉的存续,以崭新的艺术解读,诠释了清末动荡国事中的生命操守。 剧中的五个主要人物彼此呼应,共同缠结成息息相关的人物关系。在西逃中仍然不忘捕杀康梁余党的慈禧,始终担心维新力量“趁国难图谋不轨”,有着“南康北刘”之称的关学大家刘古愚,就此成为动荡国事中问题和矛盾的焦点。这样的情节设置实际引出的命题是:没落的封建王朝与前进的时代力量之间的对抗角力,而前进的时代更主要体现在千年关学始终滋养关中生活的历史走向中。因此,围绕在刘古愚身边的四个人:商英、慈禧、岑春煊、李莲英,彼此构成了那个时代和社会新旧交杂的基本面貌。特别是商英作为新兴民族资本家,丰厚的关学滋养孕育了她的商业帝国,也让张载提出的“为天地立心,为生民立命,为往圣继绝学,为万世开太平”真正作为实学,贯穿在她的社会担当和商业义举中。因此,当刘古愚、于右任等时代思想引领者陷入生存困境时,她本能地走向了守卫防护和积极营救。由此,一个小女人最终走进了封建王朝最后维持者慈禧的生活中。 该剧遵循历史的足迹,解剖历史纪闻的缝隙,透视人性人情的幽微,深刻展示了在新旧思想更迭之时,一个普通女性扶整文化命脉的传奇故事与心路历程,张扬起契合人性的情感抒发与精神动机。剧作家郑怀兴先生让笔下的人物超脱开事件的束缚,真正直面心灵与精神的碰撞,人与人之间看似彼此感染,相互理解,实际他们在精神本质上却形同陌路。尤其是商英与慈禧,双寡夜谈,相对垂泪,但是各人心事各人知。基于人性的某些共通性,特别是两位孀居女性的情感共鸣,一个秦商巨贾,一个王朝女主,都在辞情恳切中褪下了沉重的精神包裹,但最终在社会担当、思想立场、文化精神的秉持上,分道扬镳,南辕北辙。这正是那个独特的社会转型中,理性的人文思想痛苦地从所附生的文化肌体里剥离出来的复杂状态。其最终抽绎归结成的时代精神,基于关学纵贯千年的进步性,而被纳入了整个民族不断地长久延伸的文化命脉中。从这个意义上而言,郑怀兴先生选择了透视心灵的至高难度的编剧法,同时也深刻地检讨着传统文化里支配民族命运走向的思想指标,超越了习惯性的二元判定,而走向了文化多元的深刻透视。特别是剧作延续并极大发挥了郑怀兴“写心”戏剧的创作手法,全剧人物关系几乎全部由心灵变化作为情节发展的基础,很多场次中的人物虽然身处同一舞台,例如商英与岑春煊、商英与慈禧、岑春煊与慈禧等等,但却各怀心事,正话虚说,显示出强烈的心灵角逐与精神冲突,形成别具一格的历史剧写作风格。 当然,王晓鹰和何红星在该剧的二度创作中,选择了极具民族戏曲特质的表达手段,无论是音乐中综合使用秦腔丰富的唱腔板式,还是舞台上整体追求简洁的现代舞台风格,或是全面调动主演文武兼备的表演手段,都深刻地张扬着中国戏曲最高范畴的表演法则,即通过人物形象的心灵把握,来深度驾驭戏曲艺术技法,用深刻的戏曲体验来实现形象在舞台时空中的鲜活再现。该剧的导演者们充分尊重戏曲规律,挖掘延伸了戏曲在古典时期就已经高度成熟的艺术手法,深度把握着“寡妇夜谈谁猜透,且喜国士得无忧”的题材特质,将这部作品中充溢的人生历练与生命感悟,透过表演调度,形象地张扬出特定历史中的人性悸动。全剧结构行云流水,一气呵成,生动地塑造出商英、慈禧、岑春煊、李莲英等艺术形象。特别是诉诸心灵的场面与表演,大多要借助眼神、语音、形体、情绪等深度体验,结合身段、程式、场面、调度,共同渗透在人物关系铺排中,显示着戏曲艺术对体验性的最高艺术创作手段的灵活把握。尤其是秦腔名家齐爱云的唱做表演深沉婉约,悲情四溢,包括她在与刘古愚、慈禧、岑春煊等人的情感交接中,始终保持着这个独特人物在现实与心灵的分寸感,韵味悠长,极大地发挥了“戏者戏也”的戏曲品位和审美趣味,让观众真正进入到艺术欣赏的境界探寻。 目前该剧还可以在表演节奏上更加凸显人性的细腻性与情节变化的丰富性,例如第二场可以再进一步突出关学对于近代商业生活的涵濡作用,展现千年关学对于现代人生的滋养价值;第三场可以尝试更具戏曲表演规律的戏曲场面,让剧中商英送牛情节更具戏曲美感,以此来强化群体表演的韵律感;第六场可以更加聚焦于商英捐银的动机,规避郑怀兴历史剧常规的抒情方法,突出个体形象在强大的现实压力前必然的行为逻辑。 当然,这些“苛求”正来自于这部佳作能够为更多的戏曲观众群体所期待的艺术高度。在当前戏曲创作格局中,现代秦腔《关中晓月》以高度的艺术品质为戏曲历史剧创作推出了又一佳作,代表了郑怀兴先生在《傅山进京》之后新的创作高度,这也是当前古装戏创作的重要成果。
    2019年04月15日 17:49
  • 古希腊悲剧《阿伽门农》为你揭秘双语同台表演之妙
    随着守望人的一声“欢迎你啊,火光”,中国国家话剧院与希腊国家剧院联手打造的古希腊悲剧《阿伽门农》拉开了帷幕。这是两个国家级戏剧院团在中国的首次合作,来自希腊的主创团队带领中希两国演员,以双语的形式同台表演。 在中国,古希腊戏剧的专业舞台实践始于上世纪80年代,以中央戏剧学院的《俄狄浦斯王》开篇。30年来,已有很多优秀的古希腊悲喜剧被搬上中国舞台。而希腊导演来华执导,也曾经取得过不俗的成绩。戴尔佐布罗斯的《阿伽门农》、马尔马里诺斯的《厄勒克特拉》,都得到了国内业界的高度认可。而与以往不同,此次利瓦西诺斯导演的国话版《阿伽门农》是首部由两国演员共同出演的古希腊悲剧,是两个古老文明牵手的一次大胆尝试。 双语演出在其他语种及剧目中已屡见不鲜。但这种形式用于古希腊悲剧,的确具有挑战性和高难度。首先是因为内容。古希腊悲剧年代久远,情节隐喻难懂,又多半以系统庞杂的神话作为背景。中国观众理解古希腊悲剧,需要跨越巨大的时间、地域以及文化障碍。此外,汉语与希腊语是两种截然不同的语言,在语法结构、发音位置以及语言节奏上都有很大差异。为了更贴近中国当代观众,适应当下语言环境,国话版《阿伽门农》采用全新的文本翻译,保持原着韵文诗体风格,注入当代元素和节奏,以使两种语言达到内容上及听觉上的同步与和谐。古希腊悲剧的语言风格不同于日常生活,有着自己独特的仪式感和韵律感,古代广场式演出需要它的台词朗朗上口,适于传达给成千甚至上万的观众。尤其是埃斯库罗斯的作品,语言优美古朴,抒情性很强。新的文本翻译在注重诗的韵律的同时,力求更适合舞台演出,利于演员表演。 《阿伽门农》是埃斯库罗斯悲剧三部曲《俄瑞斯忒亚》中的第一部,也是最着名的一部。阿伽门农的故事受到剧作家和导演们的青睐,古希腊的埃斯库罗斯、索福克勒斯、欧里庇得斯都曾以他的故事作为其剧作的蓝本,而后世的作家更是对之乐此不疲。战争、正义、复仇、回归,主题的多义使不同时代的不同艺术家对此有着各自不同的解读。利瓦西诺斯导演认为,虽然这是一部写于2500年前的剧作,讲述的是近3500年前的故事,但它的内容具有强烈的生命力和现代性。剧中人物的经历与情感,也适用于今天的人们。因此导演并没有刻意为了迎合中国观众在文本上做太多修改,只是进行了适当删减,而在舞台呈现中运用了大量中性的、现代的元素,拉近了古老的故事内核与当代观众之间的距离。尤其是现场音乐中古典乐器琵琶的使用,更是将东方色彩融入西方审美之中,当琵琶弹奏出高昂的旋律,十面埋伏般密集的节奏,令人血液燃烧奔腾,控诉战争的残酷,使一部古代希腊的悲剧呈现出超越国界和民族的独特魅力。 也许有人会认为,双语同台在对手戏之间多少会显得有些夹生。利瓦西诺斯却认为,真正的交流并不仅限于语言,身体、声音、气息、节奏等都是通道,演员虽然听不懂对方的台词,但完全可以通过其他媒介完成真实的、实时的交流与判断。这次具有挑战性的大胆尝试为我们打开了一扇门,使我们可以窥见古希腊戏剧深邃的内涵和宽广的外延,也使我们感受到戏剧二度创作中的无限可能。中国戏剧发展至今,各种流派陆续登台,越是这样,我们越应该回望源头,去寻找戏剧的初衷。戏剧具有“奇妙的将人向上提升的力量”,它就像光,可以照亮我们的世界与心灵。
    2019年04月12日 16:08
  • 新版《玉簪记》《白罗衫》 探索昆曲新美学
    4月4日,由苏州昆剧院与白先勇合作的新版昆剧《白罗衫》在上海东方艺术中心上演。该剧由青春版《牡丹亭》编剧张淑香再次担任编剧,导演则由“昆剧第一女小生”岳美缇担纲。这部有着悲剧气质的作品,是白先勇以昆曲新美学吸引当代观众的又一尝试。 从2002年昆曲青春版《牡丹亭》开始排练至今,17年间苏州昆剧院与白先勇四度合作,分别出品了除青春版《牡丹亭》之外的新版《玉簪记》《白罗衫》《义侠记》。老戏新演,融入了当代昆曲艺术家和文化学者对昆曲新美学的探索,除了让观众获得极致的审美享受,还因剧中人物而引发了对人性的深入思考和探讨。 《玉簪记》实景剧照。 从人性的角度改编剧本,传递真与善 新版昆曲新在哪里?新版《白罗衫》首先在主题和人物思想性的挖掘上进行了探索。《白罗衫》原着是一部简单的公安戏,讲的是清代苏云夫妇雇船去上任,中途被船主徐能所害,丈夫被推入江中,妻子遇救逃脱生下一子,为徐能无意拾得。悉心抚养长大,取名徐继祖,18年后做了八府巡按,巧遇苏云诉冤告状,徐继祖杀养父报仇雪恨,与生母喜庆团圆。 张淑香和主创人员进行了反复讨论,原着结局流于公式化,善恶二元对立,思维简单,人物塑造扁平化,无法满足现代观众对于情感、心智与审美的高度期待与诉求。剧组最终决定改编原着,把主题定调在父与子、命运、人性、救赎、情与美这几个方面。最后一出《堂审》成为全剧的高潮,此时真相已经揭开,父子都双双坠入命运的罗网而痛苦挣扎,徐继祖无论如何都不可能毫无人性人情,转眼反目将疼他爱他的养父依律杀掉,在情感与责任的冲击下,他内心天摇地动、撕裂崩溃。美好形象在儿子面前荡然无存的徐能,不敢期待儿子会原谅他,在恐惧、幻灭的情感纠葛中,为了成全、保护儿子选择了自刎,展现了人性温暖的一面,也实现了自我的救赎。整部戏到这里戛然而止,悲剧情感达到了最高点。 悲剧的张力在我国传统戏剧中较少运用,因此新版《白罗衫》带给观众的震撼极大。主演俞玖林把徐继祖内心深处的矛盾纠葛、情感挣扎呈现得淋漓尽致,让观众跟随主人公的命运沉浮痛苦纠结,除了观赏舞台和音乐、唱腔之美,还展现了人物性格的复杂性和多样性,引发了当代人对人性的深入思考。 通过新版《白罗衫》中徐继祖这个人物的塑造,俞玖林也在表演上完成了从巾生到官生的跨越。“青春版《牡丹亭》中的柳梦梅是巾生,讲究风流倜傥,书卷气浓,还要有点痴。而新版《白罗衫》中的徐继祖则属于官生,对唱的要求更高,讲究音域更宽,塑造人物更有内涵。”俞玖林告诉记者。 改编的目的是为了经典剧目在当代得到更好的诠释和传承。新版《义侠记》以梁谷音老师上世纪70年代的版本为基础,略作改动,原版以武松为主角,新版《义侠记》则以潘金莲为主角。通过这部戏,苏州昆剧院的演员吕佳很好地传承了梁谷音的表演精髓,又加入了自己对人物的理解和表达,从人性的角度,赋予潘金莲这个有争议的角色以新的色彩。 经过精心打磨,包括上述4部新版昆曲在内,苏州昆剧院将《长生殿》《西施》《白兔记》《烂柯山》等14出大戏搬上了舞台。 在古典程式中融入昆曲新美学,满足现代审美需求 “昆曲的美学特征是写意诗化精致典雅,通过不同的行当和人物塑造反映出来,早已形成了固有的认知。”江苏省苏州昆剧院院长蔡少华告诉记者,如何将新的观念融入传统昆曲美学中,让昆曲更诗意更典雅?从青春版《牡丹亭》开始,白先勇和主创团队就进行了探索,《牡丹亭》中让男女花神穿着绣有海棠、兰花、菊花等艳丽花朵的披风如仙子般从天而降,让这出由梦生情故事中的神话场景美轮美奂。而真正提出昆曲新美学这个概念则是从新版《玉簪记》开始的。 如果说《牡丹亭》是一部史诗,《玉簪记》就是一个小品。但《玉簪记》中有一出《琴挑》,讲的是主人公陈妙常与潘必正以弹琴来传达对彼此的相思之情。还有一出《偷诗》,陈妙常以诗来表达对潘必正的爱慕。有琴有诗,以琴传情,以诗传意。所以白先勇认为,《玉簪记》这部戏有很大的潜力来体现昆曲极致的高雅,实现与中国文化的基本美学十分契合的抽象、写意、抒情、诗化的特征。 和青春版《牡丹亭》相比,新版《玉簪记》朝极简、写意迈进了一步,把诗书画琴在同一个舞台交织融合,将昆曲美学推向了更高一层的抒情诗化境界。剧中,董阳孜的书法和奚松的绘画艺术创造出一个舞台上的水墨世界。美术总监王童的服装设计在色彩上降低一度,更显淡雅精致。在剧中,观众还能欣赏到古琴大师李祥霆现场演奏唐朝皇家古琴“九霄环佩”,这是两大世界人类口述和非物质文化遗产首次联袂演出。 沿着《玉簪记》的舞美呈现思路,2016年上演的《白罗衫》,主人公徐继祖作为朝廷三品大员,按照惯例应着大红色官服,但在新版《白罗衫》中,官服色彩以金、白为主,突出雅致。2018年首演的《义侠记》则大胆运用了中国的剪纸艺术作为舞台背景和舞美的基本表达语汇,另外服装更趋精致,融入了对主人公内在性格的寓意表达。 如何将昆曲的古典美学与二十一世纪的审美意识磨合接轨,这是当代昆曲制作面临的最大挑战。四部新版昆曲的原则是尊重古典但并不步步因循古典,利用现代但不“滥用现代”。“昆曲传统的唱、念、做我们都遵守,灯光舞美等现代元素以不露痕迹的方式融入古典的大框架中,使整出戏既有古典美又有现代感。”白先勇说。 从观众的反应来看,他们很认可新版昆曲的探索,认为这种创新让演绎空间写意又流畅,使昆曲“更抒情,更唯美,更可赏”。“事实上,现代的观众不仅把昆曲看成是一种严肃的表演艺术,更是将昆曲当作东方审美的代表,当作一种生活美学,融入自己的日常生活中。朝着这个方向发展,昆曲的拥趸会越来越多。”蔡少华认为。 从剧本到演员再到观众,形成传承生态 走进苏州昆剧院园林式的建筑,张继青正在为刘玉传授折子戏《烂柯山》。苏州昆剧院成立六十年,从传字辈到继、承、弘、扬,通过口传心授,如今已经传到了第六代振字辈。振字辈有二十多个青年演员,老生、小生、丑行、花脸等行当齐全。二十七岁的刘玉,就是振字辈中的一位,她是张继青的“磕头弟子”,已经跟随张继青学艺七年,今年,张继青准备把《烂柯山》全本传授给她。经过历练后的刘玉,已经可以独立担纲大戏,青春版《牡丹亭》三本九个小时稳稳拿下,作为《白蛇传》主演代表江苏省参加国家大剧院展演季演出,并两次获得江苏省紫荆文华优秀表演奖。 昆曲传承每十五年就是一个循环,断层将给昆曲带来不可估量的损失,苏州昆剧院坚持以戏促人,以戏带团队,形成了良性梯队结构。院里规定每个演员每年必须学一出折子戏,国家一级演员每年必须传授给青年演员至少一出折子戏。如果一出戏纳入了剧院的传承计划,就会组成一个剧组进行整体传承。苏昆每年至少有12出折子戏用整体传承的形式传承,并搬上舞台。 以明清传奇为主的昆曲文本,据文字记载有2000多折,能演出的大约在450折左右。苏州昆剧院这几年都在抢救保护传统折子戏,目前能搬上舞台的为200折左右。俞玖林、沈丰英、周雪峰等“梅花奖”得主,是苏州昆剧院目前的“台柱子”,担纲着大戏的演出和青年演员教学工作。 从剧本到演员再到观众,这些年昆曲形成了系统的传承。青春版《牡丹亭》无疑奠定了昆曲在年青一代心目中的地位。15年来,青春版《牡丹亭》总共演出342场,观众80万人次,年轻观众占72%,进校园场次占25%,先后走进了30多所国内外名校,使昆曲观众年龄层次下降了30岁,这也为之后推出的新版《玉簪记》《白罗衫》《义侠记》赢得了更多的观众缘。每场演出前,主办方会尽量安排导赏,由着名文化学者做主题讲座,主要演员示范表演,加深观众对该剧的理解和欣赏能力。 十多年来,北京大学、香港大学、美国伯克利大学等国内外近20所高校开设了昆曲课程或设置了昆曲学分。白先勇和苏州昆剧院坚持在高校中推广昆曲,3月8日在上海举行的第十一届东方名家名剧月——苏州昆剧院昆曲《白罗衫》《义侠记》媒体见面会上,同济大学等多所高校代表接受了主办方赠送的新版《白罗衫》《义侠记》演出票,为昆曲的普及之路撒下希望的种子。 坐落在古城区校场路的苏州昆剧院闹中取静,被公众认为是最美的剧院,开放的体验空间里,设计了剧场版、厅堂版、园林实景版三种演出形式。“在坚守传承本质不变的基础上,我们计划做昆曲生活美学体验园,把东方美学通过戏剧和空间的结合表达出来,这可以理解为是一种行为艺术,让更多的人通过体验,找到关联兴趣,让昆曲深深植入人们的日常生活,实现昆曲在观众中的活态传承。”蔡少华说。
    2019年04月08日 17:37
  • 桂剧《破阵曲》展现桂林风采
    戏曲艺术是中华优秀传统文化的重要组成部分,是艺术大家庭中的核心成员。作为一种虚拟性的表演,好的戏曲表演通过虚拟性让观众感同身受。因此,对“戏”和“戏评”的认知,是文艺理论必须面对的学术命题。此以笔者近期观看的戏曲剧目桂剧《破阵曲》为例,深入探讨戏曲界比较关注的这两个问题。桂剧《破阵曲》于不久前在南宁人民会堂演出,该剧是第十届广西戏剧展演大型剧目展演的第17个参演剧目。根据主办单位广西壮族自治区文化厅的要求,展演有“一剧一评”的重要环节,以促进剧目提升和院团建设,笔者全程参与了相关点评。不过在进行到《破阵曲》的点评环节时,专家们意见分歧较大,引起笔者对当下戏曲艺术相关问题的一些思考。 桂剧《破阵曲》根据1938年至1944年桂林云集了大量文化人的历史事实,书写了民族危亡时刻“文化抗战”的决心和意义。全剧以“破阵”为线,从“破势、破围、破心、破旧、破敌”五个角度展开叙事,最终落脚到“破自我心之阵,破国民心之阵,破敌国心之阵”的创作主旨,以期实现文化人“文化破阵”的大理想。该剧文本有诗意,舞台呈现完整、流畅、大气,编、导、表、音、舞、灯、化、服有机统一,洋溢着艺术的妙思。舞台呈现方面大家观点基本一致,对文本构思大家意见分歧较大。有人对戏的构思评价不高,认为几个场次中田汉、徐悲鸿、欧阳予倩、马君武、张曙这些主要人物之间没有共同的目标和内在的联系;有人建议一号人物应该是田汉,有人却觉得应该是欧阳予倩;还有人甚至建议删掉一两个角色,反过来围绕“西南剧展”这一大的历史事件去写,并且直接提议怎样去添加“西南剧展”的内容、怎么去围绕“西南剧展”重新结构全篇……我虽然知道一千个读者心中有一千个哈姆雷特,不同的观众会有不同的观剧感受,但是我没有想到同是在戏剧圈浸泡的人,大家对一个剧的定位竟然差别如此之大,这样的现象引起我的深思。我突然陷入对评论者的恐惧,并不断追问:何谓“戏” ,何谓称职的有水平的评论人? 先探讨第一个问题:何谓“戏” 。最经典的回答自然是王国维所认为的“以歌舞演故事” 。我们以这一最经典的论断延伸开去,来分析“戏”之第一要素“故事” 。首先,故事是否必须是“一人一事” ?我个人觉得未必。通俗地讲,所谓“一人一事”并非确指,而是强调戏曲这一特殊艺术样式的集中性——尽量塑造性格鲜明的人物,尽量写有始有终的事件。 《破阵曲》以田汉、徐悲鸿、欧阳予倩、马君武、张曙五个人为底色去结构全篇是否违背“一人一事”的原则,个人觉得表面上看似乎是,但我们不能忽略编剧极鲜明的创作主旨:文化抗战,非一人之功,乃众人之志也。所以张曙“以曲破势火冲天” ,徐悲鸿“以画破心木秀林” ,马君武“以剧破围厚土养” ,欧阳予倩“以戏破旧水泽渊” ,田汉“以志破敌金石证” 。这“破势、破围、破心、破旧、破敌”五个场次之间看似平均笔墨,实则贯穿了文化人众志成城的决心。这一构思的内在肌理是一个评论者不可忽视的存在,也是这个戏回味无穷的本质。当然,如果能在目前的结构里深埋一条精神的主动力,自然是更好,但是否会影响现在结构的干净和流畅,也未可知。 其次,故事本身的真与假是评判一个戏好与坏的标准吗?换句话说,在戏曲舞台上,故事与真实历史的相符性是必须的吗?这个问题看似很好回答,实则非常复杂。一般来讲,没有任何故事原型的戏、根据人情人理而编出来的故事,自然没有一一对应的严苛要求,比如《白蛇传》 《梁山伯与祝英台》等。但是历史上实有其人、甚至有真人真事的故事,则一般要求尽量符合历史事实,不能轻易篡改人物的善恶、事件的曲直,特别是当下新编剧目,不然观者会觉得充满违和感而难以接受。比如写秦桧,无论怎样分析其作为一个“人”的丰富性与复杂性,其历史罪人的基本结论是难以更改的,否则就破坏掉了深埋在民众心灵深处的文化与情感认同。但不是一定不能改,有很多今天看来极为经典的剧目,历史上的变动之大甚至是我们所不能想象的,关键在于改动之后能否被观众认可,这一条是衡量新编剧目的重要标准。讲故事的基本原则是塑造符合最基本的人的情感与道理的人物,实现整体的国民心理期待和艺术审美。 除了“故事”是评论者应该关注也必须关注的焦点外,“戏”的第二要素“以歌舞演”更应该引起评论者的高度重视。因为“戏”不是小说,它是更加综合的舞台呈现,没有后者,前者只能叫剧本而不能叫“戏” 。 我们接着来探讨第二个问题:何谓称职的有水平的评论人?这个问题更加复杂,甚至没有唯一答案。但是作为深耕在戏剧界的评论者,有几种素养必须养成:一是相对完备的史论储备。无史无以说今,大历史如此,小历史也不例外。从宽泛的概念看,戏剧界不仅要了解中国传统戏曲的历史与文化传统,而且要尽量熟知国外戏剧的发展史,从纵横两个坐标轴界定当下戏剧的发展现状。具体到戏曲界内部,又有各地方剧种的千差万异。尽管艺术有相通之处,但是熟悉京昆的人未必了解粤剧、藏戏、黄梅戏等地方剧种的发展脉络,谙熟秦腔的人也未必对川剧、梨园戏有理性认知。因此,每一次评论都是一个学习的过程,在既有知识背景的基础上,去填补被评论对象的系统知识。二是比较丰富的舞台经验或观剧体验。这也是当下很多评论者欠缺的知识储备。有的人从不看戏或很少看戏,也不断论调百出——说戏曲是落后的,没有人看之类的话。由于文艺创作与文艺批评是相辅相成的艺术实践活动,前者多应用形象思维,比如绘画者心中有丘壑、五彩,则运笔如神;舞台表演者心中有人物,则顾盼生辉。相反,评论者多理性思维,需要用历史的眼光看发展趋势,以审美的标准品评优劣。因此,没有大量的观剧经验或对舞台呈现的全方位掌握,则评论的内容必然是空乏的,也是无力的。俗话说的好—— “不怕不识货,就怕货比货” ,舞台呈现就是一个在比较中鉴别,在鉴别中提升的过程。换句话说,无比较无鉴别,无鲜活生动的具体剧目和人物,也就谈不上评论的客观性和针对性。三是“了解之同情”的包容心态。常常参与各种点评会的人都会见识各方专家的水平与风格,有的人委婉低调、言辞诚恳,有的人就事论事、提出的建议切实可行,也有的人激昂慷慨、宏论迭出,还有的人善于否定、自认权威……对于院团来说,可汲取到营养的评论自然是好评论。反之,则是空话一场,甚至是打击一场。因为每一个剧目的诞生都有其复杂的成因,评论者动动嘴皮容易,院团改起来却非一朝一夕。尽量熟悉一个剧目从案头到场上的全过程,在主创、主演、财力、团队等既有条件的基础上去提越有针对性的建议,对具体剧目的提升越有效,对院团来说也最迫切。四是坚定而真诚的底线思维。没有批评的评论一定不是好评论,全是批评的评论则可能是急躁心理的另一种呈现。试看当下的戏曲舞台,那些大量投机取巧、乏善可陈的产品层出不穷,为什么我们却很难听到真实而有力的声音?因为你的一句批评可能会动很多人的奶酪甚至饭碗,这和钱乃至权有关。这个问题更加复杂,此不展开。但是评论者作为一个有良知的个体,应该秉承自己的评论底线。你可以不说全部的真话,但是你一定不要去说违心的话甚至假话。否则失之毫厘,谬以千里。 艺术的最高境界是种种“美”的表达,所以好的表演能给人很多联想——哲学的、人生的、审美的、技艺的或宗教的等。好的评论则起到画龙点睛的作用,给人以知识的弥补、艺术的诠释、智慧的启迪……如果从演唱的角度我们能够洞明“千斤话白四两唱”的意义,那么从评论对创作的促进意义上看,评论的作用有时候也有四两拨千斤的价值。因此,评论者的每一次发声,都应该是审慎的,至少要尊重艺术本身的特质与美感、尊重艺术创作规律中的种种付出。 让我们再回到桂剧《破阵曲》上来,这个戏能引起争论,证明它在“破”上下了功夫,触及到了很多值得探讨的话题,这本身就是其探索的一种意义。演戏不易,一如台词中说的那样“台上若传神,心中必有戏” 。桂剧《破阵曲》中各位艺术家的唱、念、做、表与角色的熨帖感,带观众进入到了那个时代的历史洪流之中,塑造了汇众贤英杰犹比肩的人物,让观众感同身受于历史与人物之间的巨大力量,我个人是比较喜欢的。如果在现有舞台呈现的基础上,非要删一个人甚至更多,则这个戏不会也不应该再叫《破阵曲》 ,而应该是一个新戏,一个另一个戏要表达的主题。
    2019年04月03日 15:01
  • 在《沂蒙山》中品读音乐文化的发展之路
    习近平总书记在看望参加全国政协十三届二次会议的文艺界、社科界委员时强调,新时代呼唤着杰出的文学家、艺术家、理论家,文艺创作、学术创新拥有无比广阔的空间,要坚定文化自信、把握时代脉搏、聆听时代声音,坚持与时代同步伐、以人民为中心、以精品奉献人民、用明德引领风尚。这些话语说在人民群众和艺术工作者的心坎上了,我们深感责任重大、使命光荣。作为一名山东艺术教育领域的全国人大代表,我想结合最近推出的大型民族歌剧《沂蒙山》 ,谈谈自己的看法。 大型民族歌剧《沂蒙山》为什么成功 《沂蒙山》是一台史诗般全景反映沂蒙抗战历史进程的歌剧,是一部对中国民族歌剧继承与创新的精品力作,这部歌剧在完美呈现重大历史题材的同时,也实现了艺术的完美呈现。整个演出过程,全场观众和演员一起热泪盈眶,台上台下激情满怀。2月27日,我是与家人一起再次接受红色教育的。与首演一样,照样是一票难求,照样是全场唏嘘。谢幕时在场观众全体起立,长时间报以雷鸣般的掌声,哽咽着,久久不肯离去…… 《沂蒙山》的成功上演,带给我们很多启示: 第一、扎根人民、扎根生活,传承“红色基因” ,才能撞击心灵、唤醒初心。 《沂蒙山》主要创作人员曾11次深入沂蒙革命老区采风,探访抗战遗迹、回顾革命历史、体会真情实感、寻找创作灵感,从而确立了立足山东人民的革命实践,讴歌党、讴歌祖国、讴歌人民、讴歌英雄的创作导向,这是《沂蒙山》成功的根本原因。该剧艺术地还原历史、真情地讲述故事,使人们在欣赏演出、重温历史的同时,“红色基因”也潜移默化地渗入血脉、根植于心。 第二、突出文化特色,抓住精神实质,才能引人入胜、形成共鸣。 齐鲁文化源远流长,音乐文化底蕴深厚、内涵丰富。山东老解放区和沂蒙山区的辉煌历史,为文艺研究、创作积淀了宝贵的资源。习近平总书记2013年视察临沂时强调,沂蒙精神与延安精神、井冈山精神、西柏坡精神一样,是党和国家的宝贵精神财富,要不断结合新的时代条件发扬光大。沂蒙山区的辉煌历史,为文艺创作积淀了宝贵的资源。 《沂蒙山》主创团队以高度的文化自觉和文化自信,扎根这片沃土,通过呈现沂蒙红色文化的时代精神,赋予中华优秀传统文化以新的活力,来推进齐鲁优秀传统文化传承和创新。 第三、坚持以人民为中心,倾心创作、倾情演出,才能激荡人心、滋养心灵。 文艺工作者只有怀着对人民、对革命历史文化的敬畏和崇敬之心,用心来创作,才能潇洒自如地运用创作手段,推出红色经典。 《沂蒙山》主创团队调用了一切能调动的传统及创新的艺术手段,倾心投入创作、倾情挥洒情感,汲取沂蒙山民歌中最有生命力的音乐元素进行创作,将浓郁的乡土气息和强烈的时代脉搏有机结合,以鲜明的地域音乐形象,将人们带入激情燃烧岁月里的沂蒙山区。心灵与艺术的结合带来了完美的艺术效果。 成功背后的遗憾 《沂蒙山》是继《白毛女》 《洪湖赤卫队》 《江姐》之后,非常难得的一部精品力作,但遗憾的是,从目前看,不管是山东还是全国, 《沂蒙山》这样的文艺精品力作,实在是太少了。这种遗憾不可忽视。 第一, 《沂蒙山》主创、主演团队包括主演基本上都来自山东之外。演职人员以山东歌舞剧院为班底,全剧演职人员共约300人,外请竟达200人,包括外请主要演员6人(不含山东省杂技团儿童演员2人) 、专家乐手20人。尽管外请与本地结合是时下通行的合作模式,但从《沂蒙山》演职人员选配比例的现实来看,从一个侧面反映了除北京、上海等城市外,各地仍然普遍存在文化艺术领军人才缺乏、队伍结构不合理、高层次人才断层等问题,使得《沂蒙山》的排演不得不借用占比较大的外援。 第二、文化艺术人才培育平台建设政策和投入不足,优秀人才的培养、汇聚缺乏后劲。一方面,从全国来看,艺术考生数量巨大,另一方面,全国专业艺术院校却为数不多,在国务院学位委员会和教育部颁布的十三个学科门类中,艺术学门类学位点建设滞后,绝大多数高校不具有博士招生资格,使得艺术学门类不能与其他学科门类比肩,成为文化艺术发展和汇聚培养高层次艺术人才的牵绊,同时也影响着高质量精品力作的产出。 “破题”文化发展,促进精品不断涌现 以习近平同志为核心的党中央统筹推进的“五位一体”总体布局是一个有机整体,五大建设要协调发展。这其中,文化建设是起灵魂作用的,务必要抓紧抓好。 第一,继续深入学习习近平新时代中国特色社会主义思想,领会创新理论的新内涵,用这把“金钥匙”来解决文化发展所存在的问题。持续加大文化体制改革力度,使文化艺术发展水平与经济社会发展状况相适应、同人民群众的期待相契合、同国际地位相匹配,共同开创经济文化建设新局面。 第二,国家要把高层次文化艺术人才队伍建设放在更加突出位置,增设专业艺术院校,加大高水平、高层次艺术学位点建设,充分考虑艺术学科专业的独特性和鲜明特点,给予政策和条件方面的大力支持。推动文化艺术人才结构优化,以高层次人才带动整个文化艺术人才队伍建设,使更多的艺术人才产出更多的文艺精品。 第三,精品的产生不是偶然出现的,而是源于强大文化体系的支撑。国家要加大政策激励与资金扶持,扶持高水平文艺创作。要高标准建设专业骨干艺术院团,推进文化艺术现代化,要提升发展质量和效益,营造良好的文艺生态,以促进“精品”的不断涌现。 希望文化精品的溢出效应得到有关方面的更多重视, 《沂蒙山》等经典剧目开展全国巡演获得更多支持,把文化精品奉献给人民,把源自人民的艺术创作回馈给人民,使人民群众获得更多更好的精神生活享受。
    2019年04月03日 14:59
  • 从《生死恨》 体味国家大义
    近日,北京长安大戏院推出了“寻梦·承泽”北京京剧院杜镇杰张慧芳项目工作室精选剧目展演活动,精彩大戏的连续呈现使得首都的戏迷朋友大呼过瘾。难得的是,在全国各大院团竞相争取各种项目基金排演新戏的大环境下,还有这样一个相对独立的艺术工作室坚持恢复传统剧目,满足老观众的欣赏需求,可喜可嘉,不待赘言。其中,由张慧芳挑梁主演的梅派名剧《生死恨》尤其吸引京剧爱好者的眼球,大概京剧的市场规律就是这样,越是老戏越是让人看不腻。 熟悉梅派艺术的人都知道,梅兰芳一生共整理加工并创作排演了数百出剧目,给整个京剧事业留下了丰厚的宝贵遗产,而实际上这些剧目并没有完全被后学者继承下来。对于今天的梅派演员来说,最常演的只有八出戏,亦即内行所谓的“梅八出” 。这八出戏,除了《生死恨》(饰演韩玉娘),分别是京剧的《霸王别姬》 (饰演虞姬) 、 《贵妃醉酒》 (饰演杨玉环) 、 《宇宙锋》(饰演赵艳容) 、 《凤还巢》 (饰演程雪娥) 、 《抗金兵》 (饰演梁红玉) 、 《穆桂英挂帅》 (饰演穆桂英)以及昆曲的《牡丹亭·游园惊梦》 (饰演杜丽娘) 。或许是这八出戏梅大师留下过完整的音像资料,便于后人参照临摹,才被反复搬上舞台。更多的梅派戏虽然名见经传,却终沉大海,逐渐被人们遗忘。张慧芳作为一名怀抱梅、张两大流派且以唱功擅长的青衣演员,能守住仅存的流派私房戏,这一点难能可贵。 在中国,连小学生都知道梅兰芳之所以成为一代大师,重要的原因之一是他在抗战期间蓄须明志,誓死不为鬼子汉奸献艺,高风亮节彪炳汗青。实际上,大师的道德事迹还远不止这么简单,比如《生死恨》这出戏,现在提起来固然是经典中的经典,但从起源上说,并不是京剧的骨子老戏,而是梅兰芳自己创排的一出新戏。翻开京剧史,可以看见这出戏诞生于1936年,当时的日本侵略者虽然还没有将魔爪伸向卢沟桥,却已蹂躏东北三省超过五年之久。不甘心做亡国奴的全体中华儿女无不义愤填膺,抵抗倭寇的情绪燃烧在每个人的心头。作为红到发紫的艺人梅兰芳,也想着用艺术手段去感染民众,激发民众的爱国热情。 《生死恨》这样一出表现驱逐胡虏的民族主义题材的戏,就在这样的时代背景下孕育而出了。连大师自己都没想到的是,就是这样一出充满宣传色彩的戏,却由于艺术性极强,久演不衰,一直传唱了八十多年。那么有人要问,在《生死恨》的舞台呈现方面又有哪些地方是难于其他京剧青衣传统戏的呢?笔者以为这个问题可以从以下三个方面来做阐释。 首先,京剧素来就有“男怕西皮,女怕二黄”的说法,指的是老生、花脸的西皮声腔一般处于高音区,而青衣、花旦的二黄声腔往往设在高音区,因之男女演员分别将西皮、二黄视如畏途。这是京剧的皮黄音乐体系所决定的,不可动摇,也不能改变,否则就不是京剧的味道。 《生死恨》是一出纯粹的唱功戏,卖点主要在大大小小的悦耳动听的唱腔。宏观上说,前半出均为西皮,后半出全是二黄。不用说,青衣演员演到后半出自然心生疑惧。不仅如此,梅兰芳艺高人胆大,在安排后半出的大段咏叹调时,为了抓人上瘾,故意把本来就很不好唱的一波三折的二黄慢板拖腔翻成忽高忽低的旋律,逼着后来的梅派新秀们不敢啃这块骨头。然而在演唱上也不是没有技巧可寻,前辈总说“低音高唱,高音低唱” ,就是教导演员要想演唱时做到高低不挡,应该学会控制自己的声带,收放有度,如同俗话说的,唱低音时把嗓子拎起来,唱高音时把气息沉到底。一旦掌握这一技巧,即便是《生死恨》这样折磨人的戏也不在话下了。 但是《生死恨》中除了要让青衣演员克服唱腔上的种种难题,在表演上也有非一日之功的小细节不易完成。比如头一场有个韩玉娘接箭的桥段,一向需要演员台下反复磨炼才能保证台上不露痕迹。说具体些,就是先让韩玉娘空手出场,水袖中不含任何夹带。当她被金兵射中一箭时,演员手中突然拿着一支箭。这是怎么回事呢?奥妙就在于韩玉娘随着一群扮演逃亡难民的龙套跑圆场时,其中一个龙套偷偷递给她一支箭,然后等韩玉娘一转身,定型亮相,观众看到的就是她中箭的状态。这一细节不好处理,关键在于不是单凭主演自己就可以搞定的,它需要主演与龙套配合默契,方能天衣无缝。京剧艺术贵为国粹,很大程度上是因为一招一式都有学问,一点一滴都是讲究。 其次,剧中的小生按照京剧行当的区分是文小生,不同于骨子老戏里的吕布、周瑜、陆文龙等武小生。但他又是一个智勇双全的男子汉,性格果断刚强,不然哪来的一腔热血、浑身勇气与金兵战斗?要从文小生的身上演出英武勇猛之气,就要求小生演员在脚步、水袖、眼神等方面向武小生靠拢,摆脱掉以往唱起来奶声奶气、演起来女里女气的文弱书生的举止神态。 再次,剧中的丑角是一剂不可或缺的调味品。俗话说“无丑不成戏” ,该剧也不例外,但由于该剧的基调属于悲剧范畴,所以丑角在当中的插科打诨愈发凸显了前前后后令人伤感的氛围。但从丑角的服饰与扮相来看,与骨子老戏《英杰烈》 (又名《铁弓缘》 )中“茶馆”一折的丑角并无二致。可是此处是以丑角的滑稽可笑反衬悲剧气氛,彼处是以丑角的出洋相增强喜剧效果,故而演法大相径庭。要说京剧艺术有何伟大之处,笔者以为,符合道家思想的一生二、二生三、三生万物的无穷变化即是一端。
    2019年04月01日 17:23
  • 《余杭》首演 打造全国文旅融合
    文旅新韵《余杭》将余杭文化一网打尽余杭区打造全国文旅 3月27日下午,位于临平的余杭大剧院,一只金色的“玉鸟”在20多位身着绿色裙衫的荷花仙子的映衬下袅娜而出。玉鸟是良渚文化里的典型元素,配上荷花荷叶的江南水乡元素,仿佛把观众带入了良渚古国的繁荣兴盛里。之后,两名昆曲演员在朦胧的纱幔后唱起了洪昇的《长生殿》,这位着名的剧作家,与西溪湿地有着不解的渊源。还有展示世界非遗清水丝绵和丝绸的舞蹈《蚕·丝》,展现径山寺禅意和茶经的男子现代舞《禅·茶》,歌唱超山梅花的余杭原创歌曲《香雪海》…… 在这场由着名导演杨允金执导,崔巍和杨小青担任艺术顾问的大型文艺演出文旅新韵《余杭》里,导演以余杭的三大文化为主线,用现代声光电等多媒体舞台舞美元素展示良渚文化、运河文化、禅茶文化的深厚底蕴和唯美意境。 上图为鼓舞《精·武》,30个鼓手花式敲鼓振奋人心,当中还融合了中泰武校近20个孩子武术展示。整个节目体现了余杭人团结奋进、砥砺前行、昂扬向上的精神。 这场《余杭》演出的首演,也标志着3月27日余杭区“争创全省文旅融合试验区 打造全国文旅融合样板区”大会的正式启动。余杭文化和旅游资源丰富,有市级以上文物保护单位132个,有区级及以上非物质文化遗产187个,有旅游资源单体315个。 在启动大会上,浙江省文化产业投资集团与余杭区人民政府、良渚遗址管理区管理委员会签订《推进打造“良渚国家级文化高地”战略合作协议》;良渚遗址管理区管理委员会与蜗牛景区管理集团签订《良渚古城景区管理咨询及运营服务项目战略合作协议》;超山风景名胜区管委会与浙江省曲艺家协会签订《浙江省曲艺家协会艺术创作基地落户超山风景名胜区合作协议》,项目落地将为余杭文旅产品打造、产业发展注入新动力。 与此同时,余杭智慧文旅平台正式启用。余杭将打造以智慧文旅综合服务平台、文旅大数据中心、数字文化馆、数字遇见五千年为核心的“杭州城市大脑余杭平台数字文旅体系”,通过数据整合、关联共享、深度挖掘,实现安全监管、市场分析、活动报名、在线预订、AR互动等众多功能,开启文旅体验新模式,撬动文旅融合在智慧应用层面发力。
    2019年04月01日 17:17
  • 大型新编历史京剧《文明太后》将在太原亮相
    日前,从山西省京剧院了解到,由该院创排的大型新编历史京剧《文明太后》将于3月31日、4月1日在太原市青年宫演艺中心亮相,这也是该剧在省城的首演,具有纪念意义。 《文明太后》是国家艺术基金支持项目,导演为“新世纪杰出导演”之一的卢昂,主演为梅葆玖的弟子、山西省京剧院当家花旦单娜,以及我省着名的京剧表演艺术家张巍。该剧讲述了北魏时期的历史故事。当时,晋朝八王之乱后,中国北方经历了“五胡十六国”120年的战乱,田园荒芜,民不聊生。拓跋鲜卑统一北方后沿袭旧制,“跑马禁田”愈演愈烈,走投无路的百姓揭竿而起,大魏危机四伏,中国北方将重蹈分裂的危险。此时,北魏着名女改革家文明太后(冯太后),通过与其子、献文帝拓跋弘为首的保守势力激烈斗争,教育引导其孙孝文帝,团结鲜卑、汉族等各族大臣,大力推行“均田制”“俸禄制”和“三长制”,使北魏富国强兵走向鼎盛。通过改制变法,文明太后促进了民族的融合,巩固了中国北方来之不易的完整统一,也为几十年后隋唐三百年的大发展、大繁荣奠定了坚实的政治、经济基础。 据了解,该剧自创排之日起,已修改过12稿,旨在打造山西文旅结合过程中具有思想意义的大作品。
    2019年03月29日 17:51
  • 越剧尹派传承大戏《沙漠王子》参演武汉“戏码头”中华戏曲艺术节
    3月16日晚,作为第七届武汉“戏码头”中华戏曲艺术节参演剧目、福建省华越剧团的尹派传承大戏《沙漠王子》在武汉剧院精彩上演。 中新网福州3月17日电 (记者 刘可耕)“一曲终了,留给观众的是美的享受……”16日晚,作为第七届武汉“戏码头”中华戏曲艺术节参演剧目、福建省芳华越剧团的尹派传承大戏《沙漠王子》在武汉精彩上演。 当晚,该剧由一级演员、尹派非遗传承人陈丽宇和一级演员、张派非遗传承人郑全联袂主演。此次上演的《沙漠王子》忠于原作,向经典致敬,为尹韵流芳。既保留了原作中的完整情节和经典唱段,又在舞美、灯光、服装、配器等方面赋予现代元素,营造富有域外风情的完美舞台效果。 此次上演的《沙漠王子》既保留了原作中的完整情节和经典唱段,又在舞美、灯光、服装、配器等方面赋予现代元素,营造富有域外风情的完美舞台效果。 《沙漠王子》讲述,相传古代沙漠绿洲中有个西萨部落,正当西萨王为王子庆贺周岁时,大将军安达篡位。幸而有沙龙酋长和乳娘相救,王子才逃离虎口。 十七年后,罗兰王子长大成人,为了复国,四处联络各部落酋长,共商复国大计。在途中偶遇沙龙酋长之女伊丽公主,他们一见倾心,互诉衷肠,约定明年旧地重逢。谁知一年以后,伊丽正在等待罗兰王子到来,却被安达劫走。罗兰得知后乔装改扮,深入安达王宫,想救出公主。险被安达看破,情急之下伊丽为救罗兰,佯作癫狂,要安达下令将其逐出宫外。罗兰不知内情,又气又急又恨,双目失明,被孙杰救回沙龙部落。 幸得沙龙酋长悉心照料,王子的眼睛和身心都得以康复。这时闻报伊丽将与安达成亲,并且和安达约法三章:开城门、听乡音、狂欢三日。罗兰再次扮作算命盲人,深入王宫。一来试探伊丽是否变心,二来准备与沙龙等各部落酋长里应外合,共灭安达。在给伊丽算命的时,罗兰得知她的真心,悲喜交集。这时沙龙及各部落酋长援兵已到,协助罗兰,歼灭安达,完成了复国大计,共庆团圆。 来自湖北、贵州、福建等地的戏迷观众观看了当晚的演出,演出结束后大家纷纷上台向演员们献花祝贺演出成功并合影。 今年是“芳华”创始人尹桂芳百年诞辰暨“芳华”入闽六十周年。《沙漠王子》是“芳华”成立后的第一出戏,历年来久演不衰。 此次福建省芳华越剧团来武汉演出,力争将原汁原味的经典传承剧目和大家共赏。武汉“戏码头”中华戏曲艺术节期间还将上演尹派经典传承剧目的《玉蜻蜓》,由两位中国戏剧梅花奖得主王君安和李敏主演。(完)
    2019年03月21日 17:05
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